Nueva web

hola a tod@s, ya no uso este sitio aunque lo siguiré teniendo como un archivo para los artículos que escribí hace un tiempo. Para visitar la nueva web pueden entrar a:

http://www.javiergarciarosell.com

nos vemos!

calibración de monitores

El primer calibrador que compré alguna vez fue el Spyder2EXPRESS de Datacolor que funcionó bien durante un buen tiempo hasta que un día empezó a fallar y esto se agravó con la llegada del sistema operativo “Lion” cuando Datacolor dejó de dar soporte para este sistema operativo (eventualmente parcharon este problema a través del software del Spyder 3 pero me dió la impresión de que ya casi que les daban igual los usuarios del Spyder 2)

A raíz de esto es que la calibración de mi monitor no ha sido todo lo frecuente que quisiera y de ahí probablemente mi especial interés en conocer el funcionamiento de la “generación” de los colores en un monitor (en teoría, aunque nuestro monitor esté descalibrado, en algunos casos si realizamos un balance de blancos correcto y controlamos con cuidado las posiciones de nuestros picos de altas luces, blancos, sombras, negros, etc, podemos vivir sin un calibrador…los puristas ya me pueden apedrear)

Ahora, los calibradores no son aparatos baratos así que no fue hasta que logré convencer a otros 4 fotógrafos de comprar uno en grupo que no llegó a mis manos el ColorMunki Display de Xrite (la misma gente que hace el Color Checker Passport) así que aquí les dejo un pequeño resumen de mis impresiones sobre este producto.

Primero lo primero, ¿Qué es un calibrador?

En palabras sencillas un calibrador es un aparato que lleva un lente que es capaz de “ver” como reproduce una pantalla (o un proyector y en algunos casos también una impresora) el color para asegurarse que lo esté reproduciendo de la forma correcta. Es por eso que se suele hablar con frecuencia de cómo un calibrador busca generar una coherencia de color entre los diferentes medios que los reproduzcan.

La forma en la que se genera un color en el mundo digital es bastante concreta (recomiendo darle una leída a esteartículo) pero la manera en que los diferentes medios reproducen ese color puede variar muchísimo (cada monitor reproduce los colores de una forma diferente). Un blanco puro (255, 255, 255) en una pantalla mal calibrada puede verse, por ejemplo, con tonalidades verdes pero no lo notamos (nuestros ojos hacen un excelente trabajo al adaptarse a los colores) hasta que calibramos correctamente nuestra pantalla.

¿Cómo se usa?

El funcionamiento de un calibrador es en realidad bastante sencillo. Sólo es necesario conectarlo a un puerto USB y ejecutar el software que trae. Este software se encargará de hacernos una serie de preguntas, nos pedirá que coloquemos el calibrador sobre la pantalla y presentará una serie de parches de color que este “leerá” y que ayudarán a determinar la luminosidad correcta, el contraste y la forma en que los colores se reproducen. Este proceso puede tardar entre 5 y 10 minutos (dependiendo del calibrador) para finalmente permitirnos guardar la calibración que acabamos de realizar con un nombre de perfil ICC que se cargará a partir de ese momento por defecto cada vez que encendamos nuestra computadora.

El ColorMunki Display

El ColorMunki Display es una de las versiones de calibradores de la serie ColorMunki y se encuentra a la mitad de esta entre la versión más básica conocida como ColorMunki Smile y la más avanzada conocida como ColorMunki Photo. Nosotros escogimos quedarnos con la versión media ya que con sus características teníamos suficiente. Si fuera el caso que imprimen con mucha frecuencia y quieren calibrar su impresora, en ese caso tendrán que comprar el ColorMunki Photo.

 

El ColorMunki display es capaz de calibrar pantallas y proyectores (no impresoras) y trae además dos opciones adicionales con las que personalmente no trabajo pero que igual les menciono. El ColorMunki Display trabaja con un sistema que permite medir la luz ambiente para adaptar la calibración a las condiciones del entorno y funciona además con el sistema ADC (Automatic Display Control) que básicamente permite que el propio software controle los valores básicos de una pantalla (como contraste y luminosidad…) haciendo que no tengamos que hacerlo desde el panel de control de cada dispositivo. No uso ninguna de estas dos opciones debido a que las condiciones de mi espacio de trabajo no varían lo suficiente como para justificar una medición continua del ambiente (además, esto significaría tener el calibrador conectado y sobre mi mesa siempre) y en el caso del sistema ADC prefiero que el software controle solo la parte de la calibración y no los controles básicos del panel de control de mi pantalla debido a que después de hacer algunas pruebas los resultados me parecieron mejores haciendo estos cambios yo mismo.

Este calibrador, como la gran mayoría de calibradores, trae un contrapeso que sirve para poder colocarlo sobre las pantallas que vayamos a calibrar. Es pequeño y pesa muy poco (calculo que se habrán inspirado en el mono tití al momento de diseñarlo, es REALMENTE pequeño)

El calibrador está diseñado de manera que la calota que cubre el lente de dispositivo sirva para medir la luz ambiente (en caso quisiéramos que la calibración la tuviera en cuenta…) y de paso protege el propio lente del calibrador encargado de hacer la medición.

¿Calibrador sí o calibrador no? (Conclusiones)

Mi experiencia con este calibrador de momento está siendo muy positiva. Tuve algunas peleas al principio ya que no lograba resultados consistentes pero resulta ser que mi pantalla principal (la HP LP2465) parece estar pidiendo ya ser jubilada. La respuesta de Xrite a este problema tardó un poco en llegar pero fue bastante profesional y completa. Trabajar de manera paralela con un monitor calibrado y el Color Checker Passport es tremendamente cómodo y nos da la tranquilidad de saber que estamos trabajando con los colores correctos.

Es importante mencionar que de momento mi experiencia se limita exclusivamente al sistema operativo de Apple (aun sigo con el 10.7.5) en donde gestionar los perfiles de color es bastante simple incluso en espacios de trabajo como el mío en que trabajo solamente con una MacBook Pro del 2011 conectada con el monitor HP LP2465. Ambas pantallas tienen su propio apartado de gestión de color al que se llega a través de “preferencias de sistema”, “pantalla”.

Si estás empezando en fotografía mi consejo es que no te compliques demasiado con la computadora que compres. Personalmente prefiero las Apple por que en mi caso ha demostrado ser una máquina durísima, literalmente no la he tenido que arreglar desde que la compré y baso en ella todo mi flujo de trabajo. En lo que sí creo que es importante invertir es en un buen monitor (un calibrador no convertirá un monitor de 200 dólares en un buen monitor) Un buen monitor no es barato y aunque no hace falta irse a marcas como Quato, NEC, LACIE, EIZO, etc, sí creo que es necesario guardar una parte del presupuesto para la pantalla.

Y sobre el calibrador, mi recomendación es que te busques un grupo de amigos y compren uno entre todos. A menos que trabajes en artes gráficas y que el color sea absolutamente crítico en tu trabajo, no creo necesario calibrar un monitor todas las semanas. Si lo organizas bien puedes lograr tener el calibrador el tiempo suficiente para calibrar tu monitor con la suficiente frecuencia que te permita trabajar cómodamente (con esto que acabo de decir queda claro que no tengo ninguna relación con Xrite, me imagino que este comentario no les va a hacer ninguna gracia…)

Bueno, espero que les haya sido útil. Si tienes cualquier pregunta no duden en escribirla debajo en la parte de los comentarios.

Un saludo y seguimos en contacto!

PD1: Todas las fotos que aparecen en este artículo son mías, si te interesa puedes usarlas libremente mientras menciones la autoría y fuente.
PD2: Para los posibles interesados, las tomas se hicieron con la 5dmarkII, el 100mm 2.8 macro y el Canon 430EXII.
PD3: Aun están abiertas las inscripciones para el Taller Avanzado de Iluminación. La gestión de color en escenas iluminadas con flash será una parte importante de este taller. Aquí tienes un enlace con la información de la inscripción y como recompensa por haber llegado leyendo hasta aquí, puedes aun pagar el precio con descuento.

los pasos de luz (reloaded)

Han pasado 5 años desde que escribí en el antiguo blog un artículo hablando sobre los pasos de luz y su importancia, y tomando en cuenta que lo considero un tema clave en fotografía, he decidido reeditarlo e intentar mostrar este tema de la forma más simple posible.

Medir la luz de una escena y exponerla “correctamente” pasa a veces por entender cómo funcionan los pasos de luz y a qué nos referimos cuando hablamos de ellos. Parecerá algo obvio para algunos fotógrafos pero no todos saben que elfotómetro de nuestras cámaras está diseñado para trabajar y ser leído en pasos de luz. Normalmente al ver por el visor de nuestras cámaras nos encontremos con algo parecido a esto: -2..1..0..1..2+. En la foto de abajo pueden verlo en la pantalla de una Canon 5dmarkII.

Ese gráfico incluye además una linea (o serie de lineas dependiendo de la marca de la cámara…) que se mueve de izquierda a derecha y lo que hace esta linea/as es darnos una lectura de la luz que refleja la escena que estamos encuadrando con nuestras cámaras (si aun no tienes claro como funciona la luz reflejada este artículo puede ayudarte a entenderlo…) Esa linea se moverá en función a cómo movamos los tres parámetros básicos de nuestras cámara:

1) Diafragma
2) Velocidad de la Obturación
3) ISO.

En la vida real no deberíamos interpretar la lectura de un fotómetro de luz reflejada al pie de la letra (al menos hasta que no comprendamos bien como funciona un fotómetro de luz reflejada…) pero más o menos va así. Si al apretar el botón de disparo de nuetras cámaras vemos que la linea está, por ejemplo, en -2, deberíamos entender que la escena estásubexpuesta dos pasos, si está en -1 que está subexpuesta un paso, si está en 0 que está bien expuesta, si está en+1 que está sobreexpuesta un paso y si está en +2 que está sobreexpuesta dos pasos.

Ahora, ¿qué pasa si, por ejemplo, la linea está entre los números y no sobre ellos…? Resulta que para eso están los dos puntos que hay entre cada número…para poder dividir los pasos en tercios. Veamos cómo se leen algunos ejemplos para aclararnos:

-2,.1..0..1..2+ “la toma está subexpuesta 1 paso y 2/3″
-2..1.,0..1..2+ “la toma está subexpuesta 1/3 de paso”
-2..1..0.,1..2+ “la toma está sobreexpuesta 2/3 de paso”
-2..1..0..1.,2+ “la toma está sobreexpuesta 1 paso y 2/3″

Y por cierto, si viéramos que el punto (en los anteriores ejemplos ilustrado con una coma…) empezaran a tintinear debemos entender que la toma está sobreexpuesta más de dos pasos (si tintinea del lado del +) o subexpuesta más de dos pasos (si tintinea del lado del -)

En la enorme mayoría de cámaras reflex digitales actuales, las ruedas de dial (ruedas dentadas…) sirven para marcar los tercios de cada parámetro a través de sus “clicks” (¿me explico con lo de los clicks? …ese ruidito que hace la rueda al girar…). Ese “click” resulta tremendamente útil ya que si quisiéramos, por ejemplo, perder en una escena tres pasos de luz bastaría con mover el dial hasta escuchar (o sentir) 9 clicks…dos pasos serían 6 clicks, un paso y 1/3 serían 4 clicks, etc.

Si llegamos a conocer nuestras cámaras lo suficiente deberíamos ser capaces de mover los parámetros de la misma sin quitar el ojo del visor y reconociendo hacia que dirección debemos de mover un dial para ganar o perder luz. De esta forma nuestra forma de trabajar se volverá más dinámica y rápida. Entonces, y para ir cerrando este tema, a menos que nuestra cámara esté configurada de una manera distinta, por regla general cada click de nuestra/s rueda/s de mando corresponde a un tercio de paso y cada tres clicks de nuestra/s rueda/s de mando corresponde a un paso completo.

Bueno, por ahí van los tiros. Espero haberlos ayudado a entender un poco este tema.

Un saludo y seguimos en contacto!

el balance de blancos

El tema del balance de blancos es uno de mis favoritos y me encanta enseñarlo. Aunque resulta más divertido hacerlo en vivo y en directo, voy a intentar que quede lo más claro posible por que me parece un tema fundamental para comprender otros conceptos dentro de la fotografía digital. Y por cierto, si quieres que te quede todo muy muy muy clarito, te recomiendo que antes de seguir leyendo este artículo le des una buena leída a este otro.

Bueno, pues ahí vamos…¿qué es el balance de blancos…? Para ponerlo en una sola frase que luego explicaremos más en detalle, el balance de blancos es de alguna manera el encargado de que aquellos blancos de una escena aparezcanrealmente blancos (y no, por ejemplos, con dominantes azules, rojas, etc…) Seguramente más de una vez jugaste con el botón “WB” de tu cámara (white balance = balance de blancos) y notaste como, dependiendo de qué simbolo escogieras, la escena adquiría una tonalidad fría o una tonalidad cálida…ahora vamos a procurar entender a qué se debe esto.

Empecemos por dejar claro un concepto fundamental y es el de “gris neutro”. Podríamos definir un gris neutro como aquel gris que no tiene ningún tipo de dominante en sus canales (RGB). Un ejemplo gráfico de un gris neutro sería el parche que vemos aquí abajo. Este parche tiene sus valores RGB como se indican a continuación:

Por otro lado, el parche que veremos a continuación, aunque parezca gris, no se podría considerar como neutro ya que sus tres canales no están alineados:

Y ahora veamos ambos “grises” pero esta vez con sus respectivos histogramas:

Se que estos parches que son la mar de aburridos pero quiero que noten como los histogramas de cada uno de los parches son diferentes. En el histograma de la izquierda (el correspondiente al gris neutro…) solo vemos un pico (que en realidad son tres, uno rojo, uno verde y uno azul, solo que se encuentran uno encima del otro…) mientras que en el histograma del gris que no es neutro vemos tres picos que corresponden a los colores básicos de la imagen digital. Es así que utilizando un histograma podemos interpretar si nos encontramos con un gris neutro o si fuera el caso, con un blanco neutro…

Los ejemplos que he incluido hasta el momento han sido creados por mi mismo y no son fotografías por lo que ahora vamos a intentar trarladar estos conceptos al mundo de la fotografía. Vamos a introducir para eso una nueva variable que resulta especialmente importante, esta variable será la temperatura de color. Esta temperatura de color se expresa en Kelvin y mientras menor sea la temperatura de color de una fuerte de luz, esa fuente tenderá más hacia los rojos mientras que si esa temperatura de color se hace mayor, esa fuente tenderá más hacia los azules. Es así que, por ejemplo, la luz de una vela tendrá una temperatura aproximada de 1900 K, la luz de un foco de tungsteno (como los que aun vemos en muchas casas y que poco a poco están desapareciendo…) tendrá una temperatura aproximada de 2900 K, la luz de un flash tendrá una temperatura aproximada de 5500 K y así sucesivamente. Todo esto sirve, entre otras cosas, para comprender que si ilumino una superficie gris (o blanca) con una luz cálida (como una vela o un foco de tungsteno), esa superficie se verá con una dominante cálida mientras que si iluminamos esa misma superficie con una luz cuya temperatura es muy alta, esa superficie tendrá una dominante azul. Estos cambios en la temperatura de color de las fuentes de luz son algo que nuestros ojos junto con nuestro cerebro están compensando constantemente pero que nuestras cámaras no logran realizar con tanta facilidad y para eso existe el concepto de balance de blancos.

Un ejemplo burdo pero bastante eficaz es aquel en que posicionamos una hoja de papel bond debajo de una bombilla de tungsteno y preguntamos a alguien de qué color es la hoja de papel. Todas las personas a quienes les hagamos esta pregunta responderán que la hoja de papel es blanca ya que por experiencia saben que una hoja de papel bond es blanca pero la realidad es que no la están viendo de color blanco, la están viendo más bien amarillenta… Esa “corrección” que realiza nuestro cerebro y que se genera constantemente con todos los elementos a nuestro alrededor nos resulta tremendamente diaria y sencilla pero a nuestras cámaras no. Es por eso que para que nuestra cámara reproduzca una superficie fielmente antes debemos de indicarle a la cámara cual es la temperatura de color de la luz con la que estaremos iluminando esa superficie.

En el siguiente ejemplo iluminé una carte de color (de la que ya hablaré en detalle más adelante…) con luz de sol directa. En el ejemplo podemos ver como se reproducen los colores de la carta cuando utilizamos el balance de blancos de la cámara en 5 posiciones diferentes. La primera posición es una temperatura escogida directamente a través de los valores que permite la Canon 5dmarkII y las siguientes son “tungsteno”, “luz de día”, “nublado” y “sombra”. Las temperaturas que corresponden a cada uno de estos presets han sido escritas a partir de la referencia que da Canon para estos valores. Y por cierto, pueden picar en la foto para verla en su tamaño original…

Analizando los valores de los parches neutros de la carta de color podemos concluir que el mejor balance de blancos para esta escena es justamente el que respondía a la luz que estaba incidiendo sobre ella (“luz de día”) pero también podemos comprobar que el balance no ha sido perfecto ya que los valores de los parches neutros no están alineados. Es aquí que cobra especial importancia el trabajo con archivos RAW ya que una de las ventajas de los archivos de este tipo radica en que podemos modificar la temperatura de color de una escena a posteriori. Es así que lo que haremos es abrir una de las 5 imágenes (da igual cual…) y usando Lightroom o Photoshop (son estas las herramientas que yo uso pero hay otras más…) picaremos sobre uno de los parches neutros de la carta. Al hacer esto, estaremos pidiéndole al programa que modifique los colores de la escena hasta lograr que los valores RGB de ese parche queden alineados. El resultado, aunque dificil de diferenciar a simple vista del que vimos arriba cuando usamos el preset de “luz de día”, es este:

Ahora, y para ir cerrando este tema (de momento…) quiero mencionar dos aspectos que creo importantes.

El primero tiene que ver con cuanto confiamos en nuestros monitores. Es muy importante trabajar con un monitor calibrado pero creo que es incluso más importante conocer cómo se generan los colores en el mundo digital. Nuestros ojos son muy buenos acostumbrándose a dominantes y aunque nuestra pantalla tuviera una dominante amarilla probablemente no la notariamos hasta verla sin esa dominante…así funciona nuestro cerebro. Tú sabes que el fondo del facebook, de google, de esta misma página es blanco y aunque tus ojos los vean amarillos (si fuera el caso de que tu pantalla estuviera descalibrada…) tu cerebro los seguirá interpretando como blancos neutros.

El segundo tiene que ver con no volvernos locos con el balance de blancos. Si bien es un tema que creo fundamental controlar para encargos como catálogos de ropa o productos que deban ser reproducidos fielmente, en las fotos del día a día creo que puede ser utilizado más como una herramienta estética. Poder controlar la temperatura de una escena nos permitirá contar historias de diferente forma. Aquí les dejo dos ejemplos de fotos que le hice a Patricia Barreto (una actriz fabulosa y además un encanto de persona) cuyo balance de blancos fue modificado exclusivamente por motivos estéticos. Estos balances de blanco fueron cambiados, además, antes de realizar las tomas por que quería ver el efecto en la pantalla de la cámara.

La primera toma de Patricia tiene la temperatura modificada de forma que los colores del flash que utilicé aparezcan cálidos. De esta manera logramos darle una sensación más cercana y hogareña a la toma. En la segunda toma el proceso fue al revés ya que modifiqué la temperatura de color para que los tonos fueran más fríos y acercarme a una estética de luz de luna.

Bueno, por ahí van los tiros. Felicitaciones por llegar hasta el final, espero este artículo haya servido para empezar a conocer como funciona el tema del balance de blancos. Si tienes cualquier pregunta no dudes en escribirla en los comentarios.

Un saludo y nos seguimos leyendo!

PD: Para quienes quieran ver actuar a Patricia, pueden hacerlo de jueves a lunes en el Teatro de Lucía con la obraConfusiones dirigida por Óscar Carrillo. No se la irán a perder no…?

teoría del color digital

***ADVERTENCIA: ESTE ARTÍCULO ESTÁ ESCRITO PARA QUE SEA LO MÁS SIMPLE POSIBLE AUNQUE ESO SIGNIFIQUE NO ENTRAR EN DETALLES QUE, SI BIEN SERÍAN MÁS PRECISOS, PODRÍAN LLEVAR A CONFUSIONES***

El tema de la “teoría del color digital” es para mi uno de los temas más importantes en fotografía digital debido a sus repercusiones en temas relacionados y espero con este artículo intentar explicarlo. La idea, en realidad, es bastante simple y parte de la pregunta: ¿cómo se genera el color en el mundo digital?

Resulta que nuestras cabezas han trabajado por años con colores generados a base de pigmentos (que por cierto, vemos por que reflejan luz…). De chicos seguramente jugamos con témperas y supimos rápidamente lo que sucede cuando mezclamos muchos colores… Esta forma de generar color a partir de pigmento responde a la teoría sustractiva del color y un lugar donde la podemos ver actuar constantemente es en las impresoras a color de cualquier casa (donde por lo general encontramos un cartucho negro y otro con los colores Cian, Magenta y Amarillo – CMYK) . El tema de la teoría sustractiva de color da para mucho pero ahora me quiero centrar en aquella que explica la forma en que se generan los colores en el mundo digital, esa es la teoría aditiva.

Además de crear colores con pigmentos, también lo podemos hacer con luz y es aquí que empezaremos a comprender cómo funcionan los dispositivos que generan colores en el mundo digital (televisores, proyectores, cámaras, celulares, etc…) Son tres los colores primarios en la teoría aditiva, el rojo, el verde y el azul y de ahí las siglas RGB (Red, Green,Blue) que seguramente más de una vez hemos encontrado (los colores secundarios en la teoría aditiva son el amarillo, el magenta y el cian pero esto lo hablaremos en otro artículo…). Estos tres colores son los encargados de generar todos los colores que estamos viendo ahora mismo en la pantalla de nuestra computadora. Cada vez que vemos, por ejemplo, una foto de un paisaje en la pantalla de un televisor o en la pantalla de un celular, debemos saber que ese paisaje se generó a partir de tres colores primarios, los tres colores primarios de la teoría aditiva (rojo, verde y azul…)

Ahora, puede resultar un poco difícil comprender cómo a partir de solamente tres colores se puedan generar tantos colores como vemos en cualquier imagen digital y es aquí donde este tema se empieza a poner especialmente interesante…

La razón por la que se pueden generar tantos colores a partir de únicamente tres colores básicos responde a que cada uno de estos tres colores se presenta en un total de 256 “intensidades” (con valores que van de 0 a 255) Es decir, el rojo tiene un total de 256 niveles, el verde tiene 256 niveles y el azul tiene 256 niveles.

Para ver esto con un poco de mayor facilidad vamos a imaginar una habitación sin ventanas ni puertas y con las paredes, el techo y el suelo pintadas de negro. Dentro de esta habitación hay tres focos, uno de color rojo, otro de color verde y otro de color azul. Empecemos por imaginar que los tres focos están apagados y que con la ayuda de un dimmer, empezamos a encender el foco de color rojo. Mientras estaba apagado, este foco permanecía en su nivel “0″ (la habitación estaba negra por falta de luz) y conforme lo encendemos y su luz se va volviendo más intensa va acercándose al nivel 255 de “intensidad” (máximo nivel…) Lo mismo podríamos hacer con los otros dos focos y la idea se repetiría. Esto lo podríamos resumir diciendo que mientras más bajo el nivel de ese rojo, verde o azul, más cerca estará del negro (nivel “0″) y mientras más alto sea ese número (nivel “255″) más cerca estará del “rojo puro”, el “verde puro” o el “azul puro”. Ahora, y para ir cerrando un poco el ejemplo de la habitación pintada de negro, imaginemos que esa habitación es en realidad la pantalla de una computadora y que esos focos son los pixeles que la constituyen. El característica “aditiva” viene, básicamente, de que para poder ver color debemos de sumar información sobre un soporte (una pantalla por ejemplo…)

Tomando en cuenta lo que acabo de comentar, si tenemos disponibles 256 niveles de rojo, 256 niveles de verde y 256 niveles de azul, probablemente haya algunos de ustedes que imaginen matemáticamente cuantas combinaciones podemos lograr a partir de estos niveles de cada color. Para quienes no lo sepan, la respuesta en realidad es bastante simple. La cantidad de colores que podemos lograr a partir de estas combinaciones resulta de multiplicar 256 x 256 x 256 lo que da un total de 16,777,216 colores.

Miren como queda la imagen que encabeza el artículo cuando combinamos los tres colores (en sus diferentes niveles…) que la forman:

Algunas preguntas normales suelen surgir de esta teoría, aquí algunas de ellas:

– ¿Cómo se logra el color negro puro? El negro puro se genera dejando todos los colores en su nivel “0″ (0, 0, 0) Algo parecido a apagar los focos o pixeles de la pantalla de una computadora lo que genera que la pantalla se vea negra.

– ¿Cómo se logra el color blanco puro? Por muy raro que parezca, el blanco puro se logra poniendo los tres colores a su máximo nivel (255, 255, 255) Por ejemplo, el fondo blanco de este blog está hecho por píxeles que llevan sus valores de RGB a su máxima potencia. El fondo de facebook y de google entre otras muchísimas páginas también…

– ¿Cómo se logra el color rojo puro? Dejando el color rojo en su máximo nivel y los otros dos colores en su mínimo nivel (255, 0, 0)

– ¿Cómo se logra el color verde puro? Dejando el color verde en su máximo nivel y los otros dos colores en su mínimo nivel (0, 255, 0)

– ¿Cómo se logra el color azul puro? Dejando el color azul en su máximo nivel y los otros dos colores en su mínimo nivel (0, 0, 255)

– ¿Cómo se logran los colores secundarios? (cian, magenta y amarillo – CMY) Estos colores se logran dejando dos de los canales en su nivel máximo y el tercero en su nivel mínimo. Cian (0, 255, 255), Magenta (255, 0 , 255) y Amarillo (255, 255, 0)

– ¿Cómo se logran los tonos de gris? Los tonos de gris se logran alineando los tres valores RGB, es decir, usando el mismo valor para los tres colores. Un gris claro, por ejemplo, podría lograrse usando la combinación 230, 230, 230. Un gris oscuro, por el contrario, se lograría alineando valores cercanos al negro como por ejemplo 20, 20, 20.

De esta última pregunta, una de las conclusiones que me resulta especialmente interesante es que la única forma de lograr un gris 100% neutro es a través de una combinación homogenea. Si uno de los valores RGB no está alineado, ese gris no será neutro (hablaré de este tema en otro artículo más adelante ya que se enlaza con el tema de balance de blancos…)

En estos dos ejemplos podemos ver los valores de tres puntos de dos fotos, una a colores y otra en blanco y negro cuyos valores terminan alineados.

Bueno, por ahí van los tiros cuando nos referimos a la teoría del color digital. Si quieres experimentar con su forma de trabajar y tienes Photoshop instalado en tu computadora, abre una foto cualquiera y activa la pantalla de “info” (f8) y en ella podrás comprobar el valor RGB de cada pixel sobre el que pases el puntero de mouse. Y si tienes mac y te gustaría tener a mano una herramienta parecida, busca a través del spotlight una herramienta que se llama “medidor de color digital”, seguro que te gusta.

Espero que este artículo sea un primer paso para entender como funciona el color digital. Si tuvieran cualquier pregunta sobre este teme que seguiré tocando en futuros artículos no dudes en escribir un comentario.

Un saludo y seguimos en contacto!

PD1: Si tienen un teléfono “destos inteligentes” busquen una app que se llama “RGB Picker” o “ColorChecker”. Son dos de mis favoritas y si les interesa este tema, seguramente les resultarán útiles para terminar de entenderlo.
PD2: Felicitaciones por llegar hasta el final, no mucha gente lee hoy en día…

las 6 luces ¿o tres?

Hola a tod@s!

Últimamente ando un poco alejado de los flashes los que he estado usando para trabajos pero utilizando esquemas relativamente simples. Además, en las clases que he estado dictando ultimamente me he concentrado en la luz natural y muchas veces también en la utilización de tachos de luz continúa. Sea como sea, quiero procurar siempre estar en contacto con la iluminación y por eso hice esta sesión de fotos con Michelle (muchas gracias Michi!).

Hacia tiempo que quería montar este esquema de luces. Esta manera de disponer los flashes genera un efecto que me parece lindísimo y aunque en realidad nunca lo había aplicado ya lo había planeado en mi cabeza. Como luz principal usé dos flashes marca Bowens 500C a 45 grados y con paraguas blancos. Estas luces estaban bastante picadas y rellenadas con un rebotador plateado que se encargaba de iluminar las sombras que se formaban en la parte del cuello, boca, nariz y ojos. Por detrás de Michelle había dos cajas de luz montadas sobre dos Bowens 500C y también a 45 grados. Estas dos cajas de luz se encargaban de separar a Michelle del fondo, general esa iluminación que se ve en el lado derecho del rostro (por el tipo de peinado en esta foto no se nota en el lado izquierdo) e iluminar el pelo de forma suave. Para terminar, hacía falta quemar el fondo para la foto que tenía en mente y para eso usé dos flashes pequeños (un Canon 580EXII y un Canon 430EX) ya que el area que tenía que cubrir no era muy grande. Las potencias que usé fueron de 1/4 en el caso de los flashes grandes y de 1/2 en el caso del Canon 430EX y de 1/4 en el caso del Campm 580EXII.

Y sobre la explicación del título, resulta que la realidad de este esquema es que aunque esté construido a partir de 6 luces (dos luces principales, dos luces de separación y dos luces de fondo…) no es más que un esquema de 3 luces multiplicado por dos (sí, como lo acabo de escribir…) A veces pensar en esquemas de esta manera (simplificando las luces o multiplicándolas por dos…) ayuda a quitarnos el miedo que puede generar trabajar con un número de luces mayor a dos. Esto desde luego se hace más fácil si contamos con 4 flashes iguales (en este caso los Bowens) que permitan regular su potencia de la misma forma.

Bueno, por ahí van los tiros. Espero les sea útil y se animen a intentarlo que para eso he puesto la foto del esquema

Un saludo y seguimos en contacto!

PD: Para quienes les queda la duda…f11, 1/160 e iso 100

¿Quien dijo fotómetro de mano?

Hola a tod@s

Hace un par de semanas subí una foto en Instagram que mostraba el fotómetro de mano que acababa de comprar. Es gracioso que yo hable de fotómetros de mano tomando en cuenta que en muchos de mis talleres de iluminación en exterior, cuando tenía ya al grupo reunido, preguntaba: “hay alguien aquí que tenga fotómetro de mano?” a lo que alguien siempre respondía que sí. En eso momento le decía: “quítale las pilas y mételo dentro de un cajón…”. Es por eso seguramente que mucha gente se ha extrañado al ver que he comprado un fotómetro de mano

Recuerdo bien como cuando compré mi primer kit de iluminación en el año 2008 (un “Tokura 3000”), el encargado de la tienda (M.I.) me dijo que tendría que comprar sí o sí un fotómetro de mano, que no lograría exponer una escena sin uno. A partir de ahí, supongo, empecé a estudiar el tema de la iluminación y quedé absolutamente enganchado para siempre.

No tuve mi primer fotómetro de mano hasta probablemente un año después de comprar el kit. En ese momento el fotómetro de mano que compré fue el Sekonic L-308s (muy buen fotómetro por cierto, pequeño y de menor precio que muchos otros modelos) Tuve ese fotómetro algún tiempo hasta que decidí venderlo ya que no le daba mayor uso. Esa fue en resumen mi historia con los fotómetros de mano hasta hace un par de semanas en que me encontré con una oferta que no podía rechazar y más tomando en cuenta que conseguir aparatos de este tipo y a buen precio en Lima es casi imposible. Encontré un fotómetro Sekonic L-358 nuevo y en caja a MUY buen precio. Ahora, que encontremos algo a muy buen precio no justifica o al menos no debería justificar que lo compremos pero en mi caso esta compra no solo estaba motivada por el precio, también estaba motivada por la necesidad…y aquí va la explicación…

Sigo pensando que es ideal aproximarse al tema de la iluminación sin contar con uno de estos aparatos (ya me pueden apedrear…). Si bien la curva de aprendizaje/resultado puede que sea más empinada cuando contamos con uno, sigo creyendo que los conocimientos se asientan mejor si no contamos con uno desde un principio. Es así que al menos en el tema de flashes portátiles (y más aun si trabajamos en exterior mezclando flash y ambiente…) me reafirmo en eso de quitarles las pilas y guardarlos en un cajón (al menos durante un tiempo…) Por usar una palabra un poco complicado, pedagógicamente creo que es valioso aproximarse al mundo de la iluminación sin contar con uno de estos aparatos. Ahora, si ya están metidos un tiempo en el tema de la iluminación puede que resulte buena idea tener uno y aquí intentaré explicar por qué.

Actualmente, y después de mucho tiempo, puedo lograr la exposición que esté buscando (usando flashes portátiles o de estudio) por lo general, en dos tomas. Con esto me refiero a que en función a la potencia del flash que esté utilizando y su configuración (zoom o si estoy usando algún tipo de modificador…) escojo unos parámetros de partida (obturación, diafragma e iso) y hago una toma. La segunda toma suele servir para ajustar usando la pantalla de la cámara (y a veces el histograma) para lograr la exposición que estoy buscando. Y ojo que no he dicho la exposición “correcta”, estoy hablando de la exposición “que estoy buscando” a nivel estético.

Ahora, sucede con cada vez más frecuencia que trabajo con más fuentes de luz. Me encuentro a veces con esquemas de 6 o 7 luces y en esos casos un fotómetro me puedo ayudar y mucho a exponer mi escena sin necesidad de hacer “chimping”. No solamente puedo ganar tiempo exponiendo mi escena “numéricamente” sin necesidad de ver la toma en la pantalla si no que además, y aquí una de las fortalezas de este producto, puedo también reproducir un esquema logrando resultados consistentes. Poder trabajar, por ejemplo, con ratios a la hora de hacer un retrato se hace tremendamente fácil usando un fotómetro. Y volviendo al inicio por un momento…¿necesitamos poder trabajar con ratios? Yo creo que no todos lo necesitan aunque por el momento en el que estoy a mi me resulta muy útil.

Otra situación en la que me resulta útil la utilización de un fotómetro es aquella en la que tengo que fotografiar un número grande de personas. No es lo mismo hacer una foto de un grupo de 4 personas que hacer una foto de un grupo de 30 y si tenemos un espacio reducido que no nos permite alejar nuestras luces lo suficiente de los modelos, un fotómetro de mano puede resultar tremendamente útil. Este fotómetro se puede usar para medir la exposición en cada una de las posiciones que los sujetos ocuparán en la foto y así asegurarnos de que la exposición sea lo más consistente posible.

Sucede también que últimamente visito muchos lugares en los que tengo que trabajar y esa visita, entre otros propósitos, tiene por función conocer qué luz hay disponible en la localización para el día de la sesión. Muchas veces hago estas visitas con una cámara en el hombro pero ahora probablemente algunas de estas visitas las haga cargando solamente el fotómetro de mano. Y ojo, no hace falta tener un fotómetro de mano para saber que un lugar está fatal de luz, con la experiencia lo podrán evaluar rápidamente a ojo. De momento a mi me resulta interesante tener esta otra opción abierta.

Y por último, al menos hasta nuevo aviso, actualmente algo que hago mucho en fotografía es enseñar (por mi cuenta y a través del Centro de la Imagen. A veces, en situaciones de prácticas, cuando no tengo la cámara a mano suelo decir en voz alta, en función a como tenga la luz a mi alrededor, unos parámetros que puedan usar mis alumnos para estar cerca de una exposición de forma que ellos sobre esos parámetros ajusten su propia exposición en función a sus propias necesidades o estéticas. Tener un aparato como este puede resultar interesante a la hora de encontrarme con este tipo de situaciones en los que puede ser interesante darles un punto de partida a los alumnos.

En fin, por ahí van los tiros y mi “historia” con los fotómetros de mano. Si crees que ha llegado el momento de comprar uno este modelo es una excelente opción. Si andas un poco apretado de dinero y quieres comprar empezar a experimentar con uno, el modelo L-308s que mencioné al principio es una excelente opción.

Un saludo y seguimos en contacto!

18% gris

¡Hola a tod@s!

Hacía ya bastante tiempo que quería escribir un artículo sobre la carta 18% gris (aunque no tenga una…) por que creo que entender su concepto nos puede ayudar a entender cómo se comportan nuestras cámaras en distintas situaciones.

Empecemos por lo primero, sabemos ya que nuestras cámaras tienen integrado un fotómetro de luz reflejada no? Bueno, sí, dentro de tu cámara hay un fotómetro de luz reflejada. Ahora, probablemente todos los que están interesados en fotografía han escuchado hablar alguna vez de la palabra fotómetro. Los dos tipos de fotómetros más conocidos son el de luz incidente (como estos) y el de luz reflejada (presente en la gran mayoría de cámaras) Del que me interesa escribir ahora es del fotómetro de luz reflejada así que ahí vamos…

Con la medición de la luz reflejada lo que está midiendo nuestra cámara (sí, a través del fotómetro integrado) no es más que la luz que refleja aquello que queremos fotografiar (aquello que aparece en nuestro encuadre a través del visor…). Seguramente no les resultará muy extraño si les digo que una superficie blanca cualquiera reflejará mucha de la luz que reciba (más del 90% de la luz que reciba) Por el contrario, una superficie negra cualquiera reflejará muy poca de la luz que reciba (menos del 10% de la luz que reciba) Ahora, seguramente alguna vez escucharon hablar de la carta 18% gris…¿se imaginan cuanto de la luz que recibe refleja? Sí, refleja el 18% de la luz que recibe…Capito?

Nuestras cámaras están diseñadas para que logremos resultados consistentes en nuestras tomas. Esa consistencia se logra haciendo que toda aquello que encuadremos refleje 18% de luz (esto también dependerá del modo de medición que utilicemos pero por el momento no nos vamos a complicar…). Es así entonces que cuando estamos en modo manual y llevamos nuestro fotómetro a “0” (moviendo los parámetros de obturación, diafragma e iso) lo que estamos haciendo en realidad es confirmarle a nuestras cámaras que queremos que aquello que tenemos por delante sea capturado de forma que refleje 18% de la luz que recibe. Es así que en las típicas situaciones que probablemente alguna vez hemos escuchado, el fotómetro de nuestras cámaras suele darnos un resultado que no esperábamos. Tal es el caso de aquella escena de un gato negro en el medio de la noche la que probablemente no veamos como negra en la pantalla si no más bien como gris 18% o la escena de un oso polar en el medio de la nieve el cual también se representará como gris 18% en vez de blanco.

Como comentaba al principio del artículo yo no tengo una carta 18% gris (aunque tengo el Color Checker Passport…espero alguna vez escribir sobre él) A continuación les dejo tres ejemplos que confirman de alguna manera la teoría que acabo de explicar. Se trata de un ejemplo que he visto más de una vez en internet pero creo que puede ser muy útil y para eso lo he reproducido.

En la primera foto podemos ver donde estaba posicionada la cámara en el momento de hacer la foto. Podemos ver como en el encuadre hay presentes tres cartulinas, una de color blanco, otra de color negro y una de color gris (muy parecida a una carta gris 18%) Así, en las tres siguientes fotos lo que hice fue utilizar el modo de medición puntual (que toma en cuenta únicamente el centro del encuadre, aproximadamente el 3,5% en mi 5d) y modificar los parámetros de exposición (en este caso solo modifiqué la velocidad) para poner el fotómetro en “0″ midiendo primero sobre la cartulina gris, luego sobre la blanca y finalmente sobre la negra. Como pueden ver en los resultados, aquella cartulina en la que hicimos la medición (está representada en la foto con un fotómetro puesto en “0″) terminó siendo representada de color gris 18% a pesar de que de las tres cartulinas la única 18% gris era la primera.

 

Los animo a que hagan la siguiente prueba que cualquiera que tenga una cámara y una pared blanca puede hacer. Pongan su cámara en modo manual, pasen su enfoque también a modo manual (ya que si no lo hacen lograr que la cámara enfoque es muy difícil), pongan su balance de blancos en automático y encuadren una pared blanca (de forma que en el encuadre solo aparezca pared, nada más) Muevan los parámetros de la exposición hasta que el fotómetro quede en 0 y hagan la foto. Si han seguido los pasos correctamente notarán como la foto de la pared blanca no resulta ser blanca si no más bien 18% gris. Lo pueden incluso comprobar al pedirle a la cámara que les muestre el histograma de la imagen capturada donde podrán ver como la montaña no estará pegada a la derecha… Si quieren hacer otra prueba intenten hacer el mismo ejemplo pero con una superficie negra y verán como nuevamente se representa como 18% gris.

Ahora, ¿cuales son las aplicaciones de la carta 18% gris? Es muy común que la carta 18% gris se use para dos propósitos principalmente. Uno de ellos es lograr un balance de blancos personalizado (el tema de balance de blancos es tremendamente interesante, también un artículo de este tema está en el pipeline…) y el otro es obtener una correcta exposición de una escena. Es así que si la queremos utilizar para hacer una fotografía “correctamente expuesta” (eso de correcto sabemos que es relativo no?) una opción es incluir la carta 18% gris en el encuadre y bajo la misma luz que esté recibiendo la escena, hacer la medición de la luz en ella (moviendo los parámetros de la exposición hasta que el fotómetro quede en “0″) y tomar la foto.

Bueno, por ahí van los tiros. Espero que les haya servido. Ahora toca preparar el artículo de los modos de medición que utilizará lo que he escrito aquí como base para desarrollarlo.

Un saludo y seguimos en contacto!

PD1: El ejercicio que les planteo de la pared blanca y negra obviamente también se puede hacer en los modos automáticos o semiautomáticos de la cámara (prioridad a la apertura, prioridad a la velocidad y programa) y con cámaras de bolsillo también aunque creo que es especialmente útil hacerlo en modo manual para que en el proceso veamos como nuestros fotómetros nos pedirá modificar los valores de exposición (para lograr situarlo en “0″) según la superficie que estemos fotografiando.
PD2: Usas tu cámara en modo manual no? espero que sí y si aun no lo haces te animo a que lo intentes
PD3: Felicitaciones por lograr leer todo el artículo, estoy seguro que no todo el mundo lo logra

familia en el parque

Hola a tod@s!

Estas dos ultimas semanas han estado llenas de proyectos, he tenido encargos muy bonitos, he seguido poniendo a punto el estudio y finalmente voy terminando la preparación para los talleres que empezaré a impartir en el mes de abril.

Entre las sesiones que he podido hacer está esta de la que aquí les dejo una pequeña muestra. Hicimos la sesión temprano por la mañana en un parque lindísimo que nos ofreció sombras suficientes para no pasar calor y poder tener luces suaves en las tomas. Se trató de una sesión que disfruté muchísimo ya en ella conocí a una familia encantadora con tres hijos maravillosos (MIL gracias por permitirme publicar estas fotos).

Cuando se trata de fotografiar niños/familias personalmente prefiero hacer las tomas en exteriores y con luz natural. Es bastante común que los niños no disfruten tanto de que les hagamos fotos y por eso es fundamental que se sientan cómodos y relajados durante una sesión de fotos. Así creo que un niño se sentirá siempre mas cómodo al aire libre que dentro de un estudio.

Además, trabajar con luz natural tiene una ventaja grandísima que tiene que ver con que los niños se pueden mover con mucha mayor libertad sin la necesidad de tener que quedarse quietos cerca a las luces de los flashes. Esto tiene mucho que ver con la teoría de la “profundidad de campo de la iluminación” que se que he dicho muchas veces que quiero explicar en un artículo, espero poder hacerlo pronto.

Un saludo y nos seguimos leyendo!

PD1: El blog sigue evolucionando, para quienes habían mencionado la necesidad de un enlace para google reader pueden finalmente encontrarlo al pie del blog al igual que una barra de búsqueda. Muchas gracias @exeperucom por su ayuda y paciencia.
PD2: Si quieres recibir un correo electrónico cada vez que publico algo nuevo en el blog lo puedes hacer suscribiéndote. Al dejar un comentario verás que debajo hay una opción que dice “notify me of new posts by email”. Deja tu correo (no se publicará…) y sigue las instrucciones

Zona de Confort

Conocí a Paul Martin no hace más de tres semanas, nuestros hijos se hicieron amigos en la playa casi de inmediato y tras cruzar algunas palabras con él pude comprobar que se trataba de un tipo A1. Hace un par de días nos volvimos a encontrar y le propuse una sesión de fotos un tanto particular y con un tanto particular me refiero a que se me había metido en la cabeza sacar a Paul de su “zona de confort” y llevarlo hacia fotos un poco menos convencionales (fui yo quien le pidió que no se afeitara…) Así, hicimos una sesión de fotos que se pasó volando en mi estudio de Miraflores. Gracias Paul por tu ayuda, por la converza y por la música, ha sido un verdadero placer tenerte frente a mi cámara.

Y para los que pudieran estar interesados en los datos técnicos de las tomas aquí un pequeño resumen (no me pregunten las potencias que siempre las olvido). Tomas 01, 05, 07 y 08: Dos flashes desnudos a 45 grados contra la espalda de Paul + una ventana de 45×45 picada y rellenada con reflector plateado. Toma 02 y 06: Un solo flash tras ventana de 45×45 con relleno de reflector plateado. Toma 03: Esta es dificil de explicar…en ella intervienen dos luces desnudas que se disparaban a través del cartón del sinfin (a la izquierda de la toma) y un flash picado y a 45 grados tras una ventana de 45×45 (sí, no se en qué estaba pensando…) Toma 04: Un flash tras una ventana de 45×45 picada y rellenada con reflector plateado. Todas las tomas hechas con el 135L (sí, sigue siendo un lente magnífico también para estudio…) a ISO 100 y todas por arriba de f8… (sí, arriba de f8 yo…)
Nos seguimos leyendo!

PD1: Se siente bien estar de vuelta
PD2: Ahora que también estoy trabajando en estudio sigo sin usar fotómetro y me encanta.

¡Hola Lima!

Pronto se van a cumplir tres meses desde que volví a Lima junto con mi esposa e hijas y desde que salí de Sevilla que no había vuelto a escribir nada en el blog. Y no solamente eso si no que hasta la semana que acaba de terminar no había prácticamente cogido aun la cámara de fotos…

Mi vuelta a Lima ha estado llena de emociones, ha sido un viaje largo que empezó hace ya casi 9 años y que finalmente llegaba a su fin hace casi tres meses. La despedida fue muy dura y como era de esperar el aterrizaje ha requerido de mucha de nuestra energía. Siento mucho el haber estado desconectado, no ha sido si no hasta hace pocas semanas que finalmente mi vida se ha empezado finalmente a ordenar un poco y ahora retomo este espacio que tanto disfruto con las pilas cargadas. Y como pueden ver en un el blog nuevo con las paredes recién pintadas…

Hacía ya tiempo que tenía pendiente renovar el aspecto del blog. Si bien le tengo un cariño especial a la plantilla que siempre he usado, creo que ya había llegado el momento de renovarla y de que el dominio que lo acompañaba fuera el que ya hace mucho tiempo había comprado pero aun no utilizaba. Es así que me puse en contacto con el equipo de EXEPERÚy gracias a su talento, profesionalidad y paciencia hoy estreno una casa que llevó desde sus principios la idea de simpleza y limpieza y que hoy espero les guste (mil gracias Mario, Alberto, Jimmy y Luigui por su ayuda)

Otra cosa importante (al menos a nivel fotográfico) que ha sucedido en Lima es que finalmente tengo estudio. En Sevilla nunca había logrado tener uno y al llegar a Lima supe que tenía que encontrar un espacio en el que poder trabajar cómodamente por lo que me puse a buscar local activamente. Es así que encontré los 94 mt2 que ahora son mi estudio y que pueden ver en la foto de arriba. Estas fotos corresponder a la primera sesión de fotos con el estudio finalmente montado y para hacerla conté con la ayuda de Karine Aguirre, una bailarina talentosísima y encantadora que fue una modelo excepcional para una ocación tan especial (mil gracias Karine por tu ayuda, como te comenté anteriormente, has puesto el listón muy alto para mis futuros trabajos…)

Espero a partir de ahora escribir sobre mi experiencia en el estudio, se que hay mucha gente que conoce mi trabajo de iluminación en exteriores y que puede estar interesada en esta experiencia por lo que espero pronto hablar de todos esos detalles. Espero también en estos días publicar las fechas para los talleres que tengo preparados en Lima, “Introducción a la Fotografía Dígital” e “Introducción a la Iluminación en Exteriores”. Dos talleres que se curtieron en España (Algeciras, Barcelona, Madrid, Zaragoza, Sevilla) y que ahora finalmente podré impartir en Lima.

Bueno, bienvenidos a mi nuevo blog desde este lado del charco (el lado que me vio nacer…) espero nos sigamos leyendo por aquí. Los dejo con algunas fotos de la sesión que hicimos en mi estudio con Karine.

PD1: No sabes cuanto me alegro Javi de que tu deseo para reyes se haya cumplido

PD2: Estar cerca de tu familia no tiene precio y mis hijas, a tan temprana edad, ya lo comprueban día a día.

PD3: Gracias por leerme, me alegro de verte nuevamente por aquí

 

…me he mudado de casa…

…te invito a visitar la nueva…

…travesuras…

La escena es la siguiente…escuchamos un ruido en la cocina y al llegar nos encontramos a Almudena sentada en una de las sillas y sobre la mesa de la cocina toda una caja de «Muesli Crujiente con Chocolate» y ella comiéndose una por una las pepitas de chocolate…

No cabe duda de que esta niña es hija de su padre…

…y aquí una foto para que se entienda la «travesura» un poco mejor…

PD1: Almudena, aunque seas una chocoladicta me vuelves cada días más loco de amor…

PD2: Canon 400d, 50mm f1.8 mark I, ISO 200, f2.8, 1/100 😉

…una foto y una luz…

Sólo eso, una foto…ni f´s, ni obturadores, ni isos…sólo eso, una foto y una luz…

PD: Feliz cumpleaños Aivi, te amo.

…¡20,000 gracias!…

Hola a tod@s!

Solo un pequeño mensaje para agradecerles que este blog haya llegado a las 20,000 visitas. Este fin de semana estuve trabajando cubriendo una boda en Pamplona y ayer por la tarde llegué a Sevilla agotado después de un sábado largo y de un domingo con ruta Pamplona-Bilbao, Bilbao-Sevilla. En casa abrí mi blog desde el móvil y me encontré con las 20,000 visitas! Este blog se ha convertido ya desde hace tiempo en algo muy especial para mi y estas visitas lo hacen aun más especial. Muchas gracias a tod@s por pasarse, por comentar, por sugerir y por seguirlo. Me alegro MUCHO de verlos por aquí.

Y claro, otras 20,000 gracias a los novios de este fin de semana por hacerme sentir como en casa, a su maravillosa familia, a mi ayudante/asistente Rubén y en general a la maravilla de gente que me encontré por esas lindísimas tierras.

…trabajando con bebés y niños…

Cada vez que me contratan para hacer fotos de bebés y niños pequeños no puedo dejar de sentir un pelín de «miedo» (sí, una palabra rara rara para describirlo…). Ayer mismo hablaba con un buen amigo músico y me comentaba que en la música cuando se trata de tocar en vivo no hay segundas oportunidades y si bien en fotografía sí las hay, cuando uno se enfrenta a una situación en que tiene que fotografiar niños, a veces, esas segundas oportunidades tampoco están presentes.

Hacerle una foto a un bebé o un niño es siempre un reto y hay una serie de cosas que me gustaría comentar que a lo mejor les pueden ayudar cuando se trata de trabajar con ellos.

Si no te gustan los bebés/niños no hagas fotos de ellos. Los bebés y los niños son seres MUY sensibles (y maravillosos por cierto…) Ellos notan quienes los quieren y quienes no, quienes están estresados y quienes no, quienes están disfrutando de lo que hacen y quienes no (¿me siguen…?) Si llegamos a una sesión con bebés/niños y no la disfrutamos es mejor no hacer sesiones con niños. Ellos no la disfrutarán y nosotros tampoco… (no se si lo sabían pero me encantan los niños y es algo que no descubrí hasta que nació mi hija…)

La velocidad. Hay que siempre estar listo para hacer una foto en una sesión con niños pero nunca llevar prisas. Alguna vez leí que es mejor ponerse a hacer fotos lo antes posible para que no se cansen y si bien creo que es cierto que los bebés/niños se cansan/aburren fácilmente, personalmente prefiero tomarme las cosas con calma y si no he conocido al niño con anterioridad, dejarlo que se acostumbre a mi presencia y a la cámara. Supongo que es una forma de trabajar muy personal pero en mis sesiones jamás hay prisas…

Luz, luz. Cuando fotografío bebés lo suelo hacer en interiores en sus propias casas (…bebé/niño en estudio=niño aterrorizado)  Yo suelo usar mis flashes, ellos me permiten no preocuparme sobre las velocidades y los resultados son MUY buenos. Ahora, es importante mencionar dos cosas que a mi me ayudan mucho y que tal vez a ustedes les sirva conocer. Aunque trabajo con flashes, no suelo subir mis diafragmas de f2.8 y siempre procuro que en la habitación donde vaya a hacer la foto haya luz (aunque no me sirva para la foto por que la pierda con mi velocidad de obturación…) ¿Y por qué? Trabajar a f2.8 significa que mi flash no tiene que estar a plena potencia para exponer correctamente una escena lo que significa menor tiempo de reciclado. Y por otro lado, si en la habitación ya hay un poco de luz, el destello del flash le resultará menos molesto al bebé/niño (por que el flash está a baja potencia y por que su retina pasa de intensidades de luz más parecidas al dispararse el flash…¿me explico…?)

Rebota, rebota. El rebote es la base de casi todos mis trabajos con bebés y niños. La fuente de luz que genera un flash rebotado contra un techo/pared blanca es enorme y usar esta técnica te permite moverte mucho sin que cambie la exposición de una escena (esto no pasaría, por ejemplo, si tuviéramos un paraguas muy cerca al bebé/niño). Si tienen un techo o pared blanca a mano, no dejen de intentarlo.

Su posición. No sientes a un bebé que aun no lo puede hacer, si es todavía muy pequeño, pídele a la madre que lo tumbe sobre una superficie cómoda y haz la foto, por ejemplo, a la altura de su cabeza. No le pidas a los niños que hagan cosas con las que no creas que se sentirían cómodos ¿alguna vez viste a un niño en la vida real con el codo sobre un pedestal y la mano en la barbilla…? ¿o cogiendo una trompeta…? A los niños esas situaciones no suelen gustarles… (a mi tampoco…y a ti…?)

Tu posición: No dejes de moverte, tírate al suelo si hace falta, descálzate y súbete a sillas para un mejor ángulo (siempre pidiendo permiso…) canta, baila. Nunca dejes de moverte para lograr el encuadre que buscas (especialmente si usas ópticas fijas…) Y evita en lo posible pedir a los niños que sonrían, es mejor hacerlos reír… 😉

Los padres. Que los padres estén cerca a ti. Tener a los padres cerca a la cámara hará que el bebé/niño mire a la cámara y, a veces, hasta sonría! Pidele a los padres con toda naturalidad que acerquen sus caras, por ejemplo, a tus hombros.

Reflejos: Busca que haya reflejos en los ojos, es completamente distinto ver un ojo que contiene un reflejo de uno que no lo tiene. Haz la prueba. Los reflejos que dan los techos rebotados pueden ser muy bonitos por el tamaño que tienen. Y si estás trabajando con luz natural búscalos también ya que además te servirán para que la cámara enfoque más fácilmente.

Ropa: Cómoda, cómoda, cómoda. No importa si es una pijama siempre y cuando sea cómoda…

Paciencia, mucha paciencia. No dejes de hacer fotos si ves que un bebé/niño se lo está pasando bien en la sesión, y deja de hacer fotos en el instante que detectes que deja de hacerlo…

Vaya tocho… ¿siguen ahí…? Bueno, aquí les dejo tres fotos de la última sesión para la que me contrataron. En esta oportunidad había que fotografiar en una misma sesión a un bebé y a un niño y como de costumbre, me lo pasé MUY bien! (y creo que ellas también… 🙂 )

Canon 40d + EF50mm f1.4 a ISO 400 1/200 y f2.8 y Canon 40d + EF50mm f1.4 a ISO 200 1/200 y f2.8. Canon 430 EX + Canon 580EX disparados contra techo blanco con los Cybersync.

Canon 40d + EF28mm f1.8 a ISO 400 1/200 y f2.8. Canon 430 EX + Canon 580EX disparados contra techo blanco con los Cybersync.

Canon 40d + EF135mm f2L a ISO 200 1/200 y f2. Canon 430 EX + Canon 580EX disparados a través de paraguas traslúcidos con los disparadores Cybersync.

PD: Y antes de que lo olvide,algo muy importante: NUNCA publiques la foto de un niño sin el consentimiento de sus padres…

…ale y la luz natural…

A veces pienso que es una locura que escriba tanto sobre la «luz natural» tomando en cuenta que una de las cosas que enseño en mis talleres es precisamente a usar la luz artificial de los flashes… Sea como sea, siempre he sido un enamorado de la luz natural y ese es uno de los motivos por los que actualmente solo uso ópticas fijas.

Antes de volver de Lima tuve la suerte de que Ale posara para mi. Ya había comentado en el blog como una de las ventajas de ser fotógrafo es que tus amigos se fían de ti y esta vez tuve la suerte de que Ale lo hiciera. Hicimos una sesión corta (45 minutos…) en la que estábamos nosotros, la luz natural y el 50mm f1.8. Nos lo pasamos pipa.

Muchas gracias Ale por dejarte fotografiar, por tu paciencia, por aportar tanto y por hacer de esta una sesión genial. ¿Repetimos en un año…?

Que pequeñita que es la 400d, me encanta esta cámara…

PD: Por si a alguien le interesa, la mayoría de las fotos fueron hechas a f2.0, de ahí la corta profundidad de campo…

…adiós lima…

Después de casi un mes dejo finalmente Lima, moreno y con más de un kilo de sobra (que barbaridad lo bien que se come en Lima…) Cada día ha sido como una cena de navidad, es decir, llena de familia y de comida. Supongo que la vuelta no será sencilla, son muchas las cosas que se remueven cuando uno pasa tanto tiempo en su lugar de origen. En todo caso, vuelvo a mi Sevilla querida, la ciudad que a Aivi y a mi nos enamoró hace ya casi 7 años, la ciudad donde, además, nació Almudena.

Aquí les dejo una composición que hice hace un par de días, todas las fotos que aparecen en ella se hicieron al caer la tarde salvo la de la torre del socorrista que se hizo en plena noche con el obturador abierto durante 30 segundos…

Bueno, esta entrada tendrá sobre técnica más bien poco, es más una forma de hacer catársis antes de mi despedida de Lima.

¡Adiós Lima, nos vemos en Sevilla!

…casi un mes sin mis flashes…

A Lima no he traido flashes y creo que ha sido, finalmente, una MUY buena decisión. Al principio sentí que algo me faltaba (estoy muy acostumbrado a usarlos…) pero después de un tiempo me he acostumbrado a buscar los contrastes e iluminaciones que ofrecen los lugares con los que me encuentro.

Aquí les dejo una foto tal cual salió de la cámara. Fue tomada (como siempre lo hago…) en RAW y no lleva ningún tipo de retoque ni compensación en el color ni la exposición. Solo la he descargado de mi 400d con el Adobe Photoshop Lightroom y luego importado a 1500×1000 para publicarla en el blog.

Una lindísima chica y 100% luz natural.

Canon 400D + 50mm f1.8 markI a f2.2 1/100 e ISO 400

…la ciudad sin sombras…

Cada vez que se hace un viaje resulta interesante ver como se comporta la luz en diferentes partes del mundo. La luz en Lima, si bien (obviamente…) proviene del mismo lugar, se comporta de manera bastante diferente debido a sus «condiciones atmosféricas». Lima tiene un clima bastante particular. Para resumir y no entrar en muchos detalles, tiene una humedad MUY alta (98%…100%…?), prácticamente no llueve, y a pesar de su ubicación, debido a la Corriente de Humbolt y la Cordillera de los Andes, tiene una nubosidad espesa y muy baja durante la mayoría del año (incluso en verano…)

Vale, sí, ¿pero esto qué significa…?

Tener un cielo encapotado durante la mayoría del año significa, básicamente, que si hacemos fotos al aire libre no encontraremos sombras con las que «jugar». Aquella teoría de que las mejores horas para hacer fotos son las primeras de la mañana y las últimas de la tarde (por la posición del sol con respecto al modelo entre otras cosas…) parece no funcionar en Lima. Salvo por la diferencia en los parámetros de exposición, da igual (usualmente…) hacer fotos a las 7 de la mañana con el sol muy bajo que a las 3 de la tarde con el sol muy alto. Y cuando digo diferencias en los parámetros de exposición me refiero a que no es lo mismo hacer una fotografía en un día nublado en Sevilla que en un día de verano en Lima con el cielo encapotado. La intensidad de la luz en Lima en muy alta y calculo que se deberá al espesor de las nubes que dejan pasar mucha luz. A veces me resulta difícil durante sus días nublados salir a la calle sin usar gafas de sol…

Hacer fotos con este cielo, para que se entienda, es como contar con un paraguas GIGANTE sobre nuestras cabezas durante todo el día (un paraguas, eso sí, blanco pero bastante traslúcido…). Estas condiciones nos permiten huir de la luz dura que tenemos en días despejados. Me ha parecido MUY interesante hacer fotos en Lima y experimentar con su luz ha sido una experiencia fantástica.

En la foto de más abajo pueden ver a Fabiola Rodriguez (g-u-a-p-í-s-i-m-a) La foto fue hecha a las 15:00 cuando el sol estaba sobre nuestras cabezas…¿entienden ahora a qué me refiero con lo de la ciudad sin sombras…?

400D + 50mm f1.8 markI a f2.8 1/640 e ISO 100

PD1: MUCHAS gracias Fabiola por ser mi modelo para el ejemplo de este artículo!

PD2: Parece una tontería pero yo nunca había visto la estela blanca que dejan tras de si los aviones hasta que viajé a Holanda hace ya casi 8 años…

PD3: Y claro, y que esto quede claro, no creo que exista la luz buena y la luz mala…

…puesta de sol a 1/4 de segundo…

Hacía tiempo que me quería traer un trípode a la playa y este fin de semana finalmente me acordé de pedir uno prestado. Lo usé para fotografíar puestas de sol (cosa que no suelo hacer…) y me ha resultado muy interesante trabajar con esto. Hay todo un mundo por descubrir en este tipo de fotografía…

Aquí una toma hecha con el Canon 17-85 IS USM el que para estas fotos, por el momento, va muy bien (aunque ese 10-22 que vendí hace tiempo me hubiera venido pero que muuuuy bien…)

¿Y por qué a 1/4 de segundo…? 1) Porque tengo trípode y tenerlo me permite trabajar a esas velocidades…2) Porque para ganar en profundidad de campo cerré el diafragma a tope y 3) Porque quiere captar movimiento en el agua…

Espero les guste.

Canon 400d + EF-s 17-85mm IS USM a 17mm. ISO 100, 1/4 y f22

PD: La foto está hecha en el kilómetro 98 de la carretera Panaméricana Sur en el distrito de Asia

…lindas niñas…

Sí, no sólo soy un padre enamorado, también soy un tío enamorado…

Estar en Lima significa, entre otras muchas cosas, poder ver a las hijas de mi hermano y practicar una de las cosas que más disfruto haciendo, retratos…¿Y como suelo hacer estos retratos?

1) Exponer sobre la mano (algún día escribiré sobre esto…)

2) Punto de enfoque central, apertura a f2.8 (para sacarle el jugo a este 50mm)

3) Bloqueo en los ojos, y…

4) Disparar rápido, MUY rápido!!!

Aquí Siena, una de mis dos lindísimas sobrinas (Vera, pronto pondré una foto tuya también 😉 )

400D + 50mm f1.8 markI a f2.8 1/250 e ISO 100

Y ya que estamos hablando de niños, les dejo una foto que hizo Almudena. Ella ya sabe cerrar el ojo izquierdo para meter el derecho en el visor de una cámara reflex (aunque a veces intenta meter el cerrado…)

La foto está tal cual salió de la cámara…qué quieren que les diga, a mi me e-n-c-a-n-t-a el ojo que tiene esta niña.

…solo una pequeña composición…

Sigo en Lima, y aunque no tengo mucho tiempo para hacer todas las fotos que hubiera querido hacer estoy haciendo algo mucho más importante y que es disfrutar del tiempo que paso con Aivi y Almudena (quien además cumple 2 años en unos días…)

Uno de los lugares en los que solemos estar mucho se llama La Punta, un distrito muy pequeño pero lleno de encanto. Siempre que venimos a Lima procuramos visitarlo. Su playa es muy particular ya que está llena de piedras y calculo que serán pocos los peruanos que no la hayan visitado alguna vez.

Aquí les dejo una composición que hice con el horizonte de La Punta como protagonista. Espero les guste.

Canon 400d + EF-s 17-85mm IS USM a 17mm. ISO 400, 1/25 y f4

…pequeño diario de un día…

En estos días, a veces, parece hacerceme muy raro aproximarse a Lima con una cámara entre las manos. Son tantas, tantísimas las escenas que a lo largo de mi vida pasaron desapercibidas por delante de mis hijos y que ahora llaman mi atención.

Es muy difícil, yo diría que imposible, hacer un «reportaje» de Lima, por el momento intento captar todas aquellas cosas que me llaman la atención (que no son pocas…) Desde las más comunes, hasta las más descabelladas…

Aquí una pequeña muestra de lo que pasó por mi cámara antes de ayer…

…17-85 no…17-85 sí…

Una de las cosas que tenía que decidir antes de viajar a Lima era qué equipo traer y la verdad es que me costó decidirme… Finalmente, y tras darle muchas vueltas, decidí traer algo más bien «básico» y dejar de comerme la cabeza con complicaciones, finalmente, las fotos las hace el fotógrafo y no el equipo no…? (bueno, al menos eso quiero pensar…)

Me he traído mi Canon 400d (mi cámara de batalla…) el Canon 50mm f1.8 mark I (mi lente de batalla…) y el Canon ef-s 17-85 IS USM (un lente que a partir de ahora será, parece, también  de batalla…) Y por si a alguien le interesa, una de las cosas que convierten a una lente en lente de batalla es que les quito el filtro y nunca más se los pongo…con el 17-85, tras la primera foto que abre este artículo, el filtro volvió al maletín (por cierto, un Lowepro Nova 2 AW que tiene la pila de años…)

Seguimos. Aquellos que siguen mi blog sabrán que hace poco puse a la venta el 17-85 y que lo llegué a vender así que para explicar un poco qué pasó aquí un resumen de la historia…

Tengo el Canon ef-s 17-85 IS USM hace ya más de dos años pero está francamente nuevo. Prácticamente no lo he usado ya que ni bien lo compré empecé con los lentes fijos y de ahí no he salido. Además, es un lente que tiene un «problema»  especialmente si trabajas en manual y es que no mantiene su número f constante a lo largo de su recorrido de zoom. Con esto me refiero a que si, por ejemplo, tengo una escena encuadrada a 17mm y mis parámetros de exposición son, por ejemplo,  f4, iso 100, 1/125, si intentara hacer zoom a tope (85 mm) mi número f cambiaría automáticamente a f5.6 y mi escena quedaría un paso subexpuesta por debajo de la encuadrada a 17 mm… obligándome a cambiar ISO o velocidad de obturación para compensar ese paso de luz perdido (pufff vaya rollo me acabo de soltar…) Y cuando trabajamos con flashes manuales, este tema de los lentes y los números f es incluso más delicado…

Bueno, hasta ahí la explicación de por qué lo vendí. Ahora la explicación de por qué lo sigo teniendo tras haberlo vendido…

Para hacer la historia corta, sucede que el lente no está bien y quien me lo compró me lo hizo ver (…el dinero fue devuelto y la lente fue de vuelta a Sevilla…) Resulta que el lente tiene problemas para enfocar cuando pasa de los 60-70mm, se vuelve loco y no es capaz de enfocar y cuando da la confirmación de enfoque en realidad la escena no está enfocada (mala cosa, muy mala…) A mi nunca me había sucedido y creo que se debe a que prácticamente jamás lo sacaba de los 5omm. Sea como sea, sobre la marcha devolví el dinero y el objetivo volvió a mis manos (a escasas 5 horas de subirme al avión que me trajo a Lima…mil gracias Gustavo por el impecable embalaje y una vez más te pido disculpas por todas las molestias…una pena que el objetivo no funcionara bien…)

Sea como sea, creo que el viaje que se dio y el haber llegado a tiempo a Sevilla bien merecía que me acompañara a Lima…

¿…Y qué hacen esas gomas alrededor del objetivo….? 

Este objetivo, por el peso que tiene en la parte delantera, tiende a «caer» de forma que pasa de 17mm a 24mm sin que se lo pidamos (…el anillo de zoom que tiene no es los mejores…) Con las gomas lo que he tratado de conseguir es que se «convierta» de alguna manera en una lente fija que es finalmente con lo que me siento más cómodo (aunque esta sea enorme…y sí, bastante oscura…)  De esta forma, además, me aseguro el poder trabajar siempre con la apertura de f4…

Bueno, ¿y cómo va el lente…?

Durante estos días lo he estado probando y la verdad es que estoy bastante impresionado con lo que es capaz de hacer. Finalmente, una cosa es cuan cómodo resulta un lente para trabajar y otra que tan buenos resultados da a nivel óptico y por el momento estoy bastante satisfecho con sus resultados. No hay que olvidar que se trata de un lente angular y que trabajar con lentes angulares tiene también su técnica…sea como sea, creo que le estoy volviendo a coger cariño…

Aquí dos fotos hechas con él…la primera es de la puesta de sol en una playa a una hora en coche de Lima y la segunda corresponde al amanecer a 20 minutos de aterrizar en Lima (no me tocó ventana y tuve que pedirle a un pasajero que por favor me dejara fotografíar esa belleza…)

…espero les gusten…

Canon 400d + EF-s 17-85mm IS USM a ISO 400, 1/60 y f8

Canon 400d + EF-s 17-85mm IS USM a ISO 200, 1/80 y f4