Nueva web

hola a tod@s, ya no uso este sitio aunque lo siguiré teniendo como un archivo para los artículos que escribí hace un tiempo. Para visitar la nueva web pueden entrar a:

http://www.javiergarciarosell.com

nos vemos!

calibración de monitores

El primer calibrador que compré alguna vez fue el Spyder2EXPRESS de Datacolor que funcionó bien durante un buen tiempo hasta que un día empezó a fallar y esto se agravó con la llegada del sistema operativo “Lion” cuando Datacolor dejó de dar soporte para este sistema operativo (eventualmente parcharon este problema a través del software del Spyder 3 pero me dió la impresión de que ya casi que les daban igual los usuarios del Spyder 2)

A raíz de esto es que la calibración de mi monitor no ha sido todo lo frecuente que quisiera y de ahí probablemente mi especial interés en conocer el funcionamiento de la “generación” de los colores en un monitor (en teoría, aunque nuestro monitor esté descalibrado, en algunos casos si realizamos un balance de blancos correcto y controlamos con cuidado las posiciones de nuestros picos de altas luces, blancos, sombras, negros, etc, podemos vivir sin un calibrador…los puristas ya me pueden apedrear)

Ahora, los calibradores no son aparatos baratos así que no fue hasta que logré convencer a otros 4 fotógrafos de comprar uno en grupo que no llegó a mis manos el ColorMunki Display de Xrite (la misma gente que hace el Color Checker Passport) así que aquí les dejo un pequeño resumen de mis impresiones sobre este producto.

Primero lo primero, ¿Qué es un calibrador?

En palabras sencillas un calibrador es un aparato que lleva un lente que es capaz de “ver” como reproduce una pantalla (o un proyector y en algunos casos también una impresora) el color para asegurarse que lo esté reproduciendo de la forma correcta. Es por eso que se suele hablar con frecuencia de cómo un calibrador busca generar una coherencia de color entre los diferentes medios que los reproduzcan.

La forma en la que se genera un color en el mundo digital es bastante concreta (recomiendo darle una leída a esteartículo) pero la manera en que los diferentes medios reproducen ese color puede variar muchísimo (cada monitor reproduce los colores de una forma diferente). Un blanco puro (255, 255, 255) en una pantalla mal calibrada puede verse, por ejemplo, con tonalidades verdes pero no lo notamos (nuestros ojos hacen un excelente trabajo al adaptarse a los colores) hasta que calibramos correctamente nuestra pantalla.

¿Cómo se usa?

El funcionamiento de un calibrador es en realidad bastante sencillo. Sólo es necesario conectarlo a un puerto USB y ejecutar el software que trae. Este software se encargará de hacernos una serie de preguntas, nos pedirá que coloquemos el calibrador sobre la pantalla y presentará una serie de parches de color que este “leerá” y que ayudarán a determinar la luminosidad correcta, el contraste y la forma en que los colores se reproducen. Este proceso puede tardar entre 5 y 10 minutos (dependiendo del calibrador) para finalmente permitirnos guardar la calibración que acabamos de realizar con un nombre de perfil ICC que se cargará a partir de ese momento por defecto cada vez que encendamos nuestra computadora.

El ColorMunki Display

El ColorMunki Display es una de las versiones de calibradores de la serie ColorMunki y se encuentra a la mitad de esta entre la versión más básica conocida como ColorMunki Smile y la más avanzada conocida como ColorMunki Photo. Nosotros escogimos quedarnos con la versión media ya que con sus características teníamos suficiente. Si fuera el caso que imprimen con mucha frecuencia y quieren calibrar su impresora, en ese caso tendrán que comprar el ColorMunki Photo.

 

El ColorMunki display es capaz de calibrar pantallas y proyectores (no impresoras) y trae además dos opciones adicionales con las que personalmente no trabajo pero que igual les menciono. El ColorMunki Display trabaja con un sistema que permite medir la luz ambiente para adaptar la calibración a las condiciones del entorno y funciona además con el sistema ADC (Automatic Display Control) que básicamente permite que el propio software controle los valores básicos de una pantalla (como contraste y luminosidad…) haciendo que no tengamos que hacerlo desde el panel de control de cada dispositivo. No uso ninguna de estas dos opciones debido a que las condiciones de mi espacio de trabajo no varían lo suficiente como para justificar una medición continua del ambiente (además, esto significaría tener el calibrador conectado y sobre mi mesa siempre) y en el caso del sistema ADC prefiero que el software controle solo la parte de la calibración y no los controles básicos del panel de control de mi pantalla debido a que después de hacer algunas pruebas los resultados me parecieron mejores haciendo estos cambios yo mismo.

Este calibrador, como la gran mayoría de calibradores, trae un contrapeso que sirve para poder colocarlo sobre las pantallas que vayamos a calibrar. Es pequeño y pesa muy poco (calculo que se habrán inspirado en el mono tití al momento de diseñarlo, es REALMENTE pequeño)

El calibrador está diseñado de manera que la calota que cubre el lente de dispositivo sirva para medir la luz ambiente (en caso quisiéramos que la calibración la tuviera en cuenta…) y de paso protege el propio lente del calibrador encargado de hacer la medición.

¿Calibrador sí o calibrador no? (Conclusiones)

Mi experiencia con este calibrador de momento está siendo muy positiva. Tuve algunas peleas al principio ya que no lograba resultados consistentes pero resulta ser que mi pantalla principal (la HP LP2465) parece estar pidiendo ya ser jubilada. La respuesta de Xrite a este problema tardó un poco en llegar pero fue bastante profesional y completa. Trabajar de manera paralela con un monitor calibrado y el Color Checker Passport es tremendamente cómodo y nos da la tranquilidad de saber que estamos trabajando con los colores correctos.

Es importante mencionar que de momento mi experiencia se limita exclusivamente al sistema operativo de Apple (aun sigo con el 10.7.5) en donde gestionar los perfiles de color es bastante simple incluso en espacios de trabajo como el mío en que trabajo solamente con una MacBook Pro del 2011 conectada con el monitor HP LP2465. Ambas pantallas tienen su propio apartado de gestión de color al que se llega a través de “preferencias de sistema”, “pantalla”.

Si estás empezando en fotografía mi consejo es que no te compliques demasiado con la computadora que compres. Personalmente prefiero las Apple por que en mi caso ha demostrado ser una máquina durísima, literalmente no la he tenido que arreglar desde que la compré y baso en ella todo mi flujo de trabajo. En lo que sí creo que es importante invertir es en un buen monitor (un calibrador no convertirá un monitor de 200 dólares en un buen monitor) Un buen monitor no es barato y aunque no hace falta irse a marcas como Quato, NEC, LACIE, EIZO, etc, sí creo que es necesario guardar una parte del presupuesto para la pantalla.

Y sobre el calibrador, mi recomendación es que te busques un grupo de amigos y compren uno entre todos. A menos que trabajes en artes gráficas y que el color sea absolutamente crítico en tu trabajo, no creo necesario calibrar un monitor todas las semanas. Si lo organizas bien puedes lograr tener el calibrador el tiempo suficiente para calibrar tu monitor con la suficiente frecuencia que te permita trabajar cómodamente (con esto que acabo de decir queda claro que no tengo ninguna relación con Xrite, me imagino que este comentario no les va a hacer ninguna gracia…)

Bueno, espero que les haya sido útil. Si tienes cualquier pregunta no duden en escribirla debajo en la parte de los comentarios.

Un saludo y seguimos en contacto!

PD1: Todas las fotos que aparecen en este artículo son mías, si te interesa puedes usarlas libremente mientras menciones la autoría y fuente.
PD2: Para los posibles interesados, las tomas se hicieron con la 5dmarkII, el 100mm 2.8 macro y el Canon 430EXII.
PD3: Aun están abiertas las inscripciones para el Taller Avanzado de Iluminación. La gestión de color en escenas iluminadas con flash será una parte importante de este taller. Aquí tienes un enlace con la información de la inscripción y como recompensa por haber llegado leyendo hasta aquí, puedes aun pagar el precio con descuento.

los pasos de luz (reloaded)

Han pasado 5 años desde que escribí en el antiguo blog un artículo hablando sobre los pasos de luz y su importancia, y tomando en cuenta que lo considero un tema clave en fotografía, he decidido reeditarlo e intentar mostrar este tema de la forma más simple posible.

Medir la luz de una escena y exponerla “correctamente” pasa a veces por entender cómo funcionan los pasos de luz y a qué nos referimos cuando hablamos de ellos. Parecerá algo obvio para algunos fotógrafos pero no todos saben que elfotómetro de nuestras cámaras está diseñado para trabajar y ser leído en pasos de luz. Normalmente al ver por el visor de nuestras cámaras nos encontremos con algo parecido a esto: -2..1..0..1..2+. En la foto de abajo pueden verlo en la pantalla de una Canon 5dmarkII.

Ese gráfico incluye además una linea (o serie de lineas dependiendo de la marca de la cámara…) que se mueve de izquierda a derecha y lo que hace esta linea/as es darnos una lectura de la luz que refleja la escena que estamos encuadrando con nuestras cámaras (si aun no tienes claro como funciona la luz reflejada este artículo puede ayudarte a entenderlo…) Esa linea se moverá en función a cómo movamos los tres parámetros básicos de nuestras cámara:

1) Diafragma
2) Velocidad de la Obturación
3) ISO.

En la vida real no deberíamos interpretar la lectura de un fotómetro de luz reflejada al pie de la letra (al menos hasta que no comprendamos bien como funciona un fotómetro de luz reflejada…) pero más o menos va así. Si al apretar el botón de disparo de nuetras cámaras vemos que la linea está, por ejemplo, en -2, deberíamos entender que la escena estásubexpuesta dos pasos, si está en -1 que está subexpuesta un paso, si está en 0 que está bien expuesta, si está en+1 que está sobreexpuesta un paso y si está en +2 que está sobreexpuesta dos pasos.

Ahora, ¿qué pasa si, por ejemplo, la linea está entre los números y no sobre ellos…? Resulta que para eso están los dos puntos que hay entre cada número…para poder dividir los pasos en tercios. Veamos cómo se leen algunos ejemplos para aclararnos:

-2,.1..0..1..2+ “la toma está subexpuesta 1 paso y 2/3″
-2..1.,0..1..2+ “la toma está subexpuesta 1/3 de paso”
-2..1..0.,1..2+ “la toma está sobreexpuesta 2/3 de paso”
-2..1..0..1.,2+ “la toma está sobreexpuesta 1 paso y 2/3″

Y por cierto, si viéramos que el punto (en los anteriores ejemplos ilustrado con una coma…) empezaran a tintinear debemos entender que la toma está sobreexpuesta más de dos pasos (si tintinea del lado del +) o subexpuesta más de dos pasos (si tintinea del lado del -)

En la enorme mayoría de cámaras reflex digitales actuales, las ruedas de dial (ruedas dentadas…) sirven para marcar los tercios de cada parámetro a través de sus “clicks” (¿me explico con lo de los clicks? …ese ruidito que hace la rueda al girar…). Ese “click” resulta tremendamente útil ya que si quisiéramos, por ejemplo, perder en una escena tres pasos de luz bastaría con mover el dial hasta escuchar (o sentir) 9 clicks…dos pasos serían 6 clicks, un paso y 1/3 serían 4 clicks, etc.

Si llegamos a conocer nuestras cámaras lo suficiente deberíamos ser capaces de mover los parámetros de la misma sin quitar el ojo del visor y reconociendo hacia que dirección debemos de mover un dial para ganar o perder luz. De esta forma nuestra forma de trabajar se volverá más dinámica y rápida. Entonces, y para ir cerrando este tema, a menos que nuestra cámara esté configurada de una manera distinta, por regla general cada click de nuestra/s rueda/s de mando corresponde a un tercio de paso y cada tres clicks de nuestra/s rueda/s de mando corresponde a un paso completo.

Bueno, por ahí van los tiros. Espero haberlos ayudado a entender un poco este tema.

Un saludo y seguimos en contacto!

el balance de blancos

El tema del balance de blancos es uno de mis favoritos y me encanta enseñarlo. Aunque resulta más divertido hacerlo en vivo y en directo, voy a intentar que quede lo más claro posible por que me parece un tema fundamental para comprender otros conceptos dentro de la fotografía digital. Y por cierto, si quieres que te quede todo muy muy muy clarito, te recomiendo que antes de seguir leyendo este artículo le des una buena leída a este otro.

Bueno, pues ahí vamos…¿qué es el balance de blancos…? Para ponerlo en una sola frase que luego explicaremos más en detalle, el balance de blancos es de alguna manera el encargado de que aquellos blancos de una escena aparezcanrealmente blancos (y no, por ejemplos, con dominantes azules, rojas, etc…) Seguramente más de una vez jugaste con el botón “WB” de tu cámara (white balance = balance de blancos) y notaste como, dependiendo de qué simbolo escogieras, la escena adquiría una tonalidad fría o una tonalidad cálida…ahora vamos a procurar entender a qué se debe esto.

Empecemos por dejar claro un concepto fundamental y es el de “gris neutro”. Podríamos definir un gris neutro como aquel gris que no tiene ningún tipo de dominante en sus canales (RGB). Un ejemplo gráfico de un gris neutro sería el parche que vemos aquí abajo. Este parche tiene sus valores RGB como se indican a continuación:

Por otro lado, el parche que veremos a continuación, aunque parezca gris, no se podría considerar como neutro ya que sus tres canales no están alineados:

Y ahora veamos ambos “grises” pero esta vez con sus respectivos histogramas:

Se que estos parches que son la mar de aburridos pero quiero que noten como los histogramas de cada uno de los parches son diferentes. En el histograma de la izquierda (el correspondiente al gris neutro…) solo vemos un pico (que en realidad son tres, uno rojo, uno verde y uno azul, solo que se encuentran uno encima del otro…) mientras que en el histograma del gris que no es neutro vemos tres picos que corresponden a los colores básicos de la imagen digital. Es así que utilizando un histograma podemos interpretar si nos encontramos con un gris neutro o si fuera el caso, con un blanco neutro…

Los ejemplos que he incluido hasta el momento han sido creados por mi mismo y no son fotografías por lo que ahora vamos a intentar trarladar estos conceptos al mundo de la fotografía. Vamos a introducir para eso una nueva variable que resulta especialmente importante, esta variable será la temperatura de color. Esta temperatura de color se expresa en Kelvin y mientras menor sea la temperatura de color de una fuerte de luz, esa fuente tenderá más hacia los rojos mientras que si esa temperatura de color se hace mayor, esa fuente tenderá más hacia los azules. Es así que, por ejemplo, la luz de una vela tendrá una temperatura aproximada de 1900 K, la luz de un foco de tungsteno (como los que aun vemos en muchas casas y que poco a poco están desapareciendo…) tendrá una temperatura aproximada de 2900 K, la luz de un flash tendrá una temperatura aproximada de 5500 K y así sucesivamente. Todo esto sirve, entre otras cosas, para comprender que si ilumino una superficie gris (o blanca) con una luz cálida (como una vela o un foco de tungsteno), esa superficie se verá con una dominante cálida mientras que si iluminamos esa misma superficie con una luz cuya temperatura es muy alta, esa superficie tendrá una dominante azul. Estos cambios en la temperatura de color de las fuentes de luz son algo que nuestros ojos junto con nuestro cerebro están compensando constantemente pero que nuestras cámaras no logran realizar con tanta facilidad y para eso existe el concepto de balance de blancos.

Un ejemplo burdo pero bastante eficaz es aquel en que posicionamos una hoja de papel bond debajo de una bombilla de tungsteno y preguntamos a alguien de qué color es la hoja de papel. Todas las personas a quienes les hagamos esta pregunta responderán que la hoja de papel es blanca ya que por experiencia saben que una hoja de papel bond es blanca pero la realidad es que no la están viendo de color blanco, la están viendo más bien amarillenta… Esa “corrección” que realiza nuestro cerebro y que se genera constantemente con todos los elementos a nuestro alrededor nos resulta tremendamente diaria y sencilla pero a nuestras cámaras no. Es por eso que para que nuestra cámara reproduzca una superficie fielmente antes debemos de indicarle a la cámara cual es la temperatura de color de la luz con la que estaremos iluminando esa superficie.

En el siguiente ejemplo iluminé una carte de color (de la que ya hablaré en detalle más adelante…) con luz de sol directa. En el ejemplo podemos ver como se reproducen los colores de la carta cuando utilizamos el balance de blancos de la cámara en 5 posiciones diferentes. La primera posición es una temperatura escogida directamente a través de los valores que permite la Canon 5dmarkII y las siguientes son “tungsteno”, “luz de día”, “nublado” y “sombra”. Las temperaturas que corresponden a cada uno de estos presets han sido escritas a partir de la referencia que da Canon para estos valores. Y por cierto, pueden picar en la foto para verla en su tamaño original…

Analizando los valores de los parches neutros de la carta de color podemos concluir que el mejor balance de blancos para esta escena es justamente el que respondía a la luz que estaba incidiendo sobre ella (“luz de día”) pero también podemos comprobar que el balance no ha sido perfecto ya que los valores de los parches neutros no están alineados. Es aquí que cobra especial importancia el trabajo con archivos RAW ya que una de las ventajas de los archivos de este tipo radica en que podemos modificar la temperatura de color de una escena a posteriori. Es así que lo que haremos es abrir una de las 5 imágenes (da igual cual…) y usando Lightroom o Photoshop (son estas las herramientas que yo uso pero hay otras más…) picaremos sobre uno de los parches neutros de la carta. Al hacer esto, estaremos pidiéndole al programa que modifique los colores de la escena hasta lograr que los valores RGB de ese parche queden alineados. El resultado, aunque dificil de diferenciar a simple vista del que vimos arriba cuando usamos el preset de “luz de día”, es este:

Ahora, y para ir cerrando este tema (de momento…) quiero mencionar dos aspectos que creo importantes.

El primero tiene que ver con cuanto confiamos en nuestros monitores. Es muy importante trabajar con un monitor calibrado pero creo que es incluso más importante conocer cómo se generan los colores en el mundo digital. Nuestros ojos son muy buenos acostumbrándose a dominantes y aunque nuestra pantalla tuviera una dominante amarilla probablemente no la notariamos hasta verla sin esa dominante…así funciona nuestro cerebro. Tú sabes que el fondo del facebook, de google, de esta misma página es blanco y aunque tus ojos los vean amarillos (si fuera el caso de que tu pantalla estuviera descalibrada…) tu cerebro los seguirá interpretando como blancos neutros.

El segundo tiene que ver con no volvernos locos con el balance de blancos. Si bien es un tema que creo fundamental controlar para encargos como catálogos de ropa o productos que deban ser reproducidos fielmente, en las fotos del día a día creo que puede ser utilizado más como una herramienta estética. Poder controlar la temperatura de una escena nos permitirá contar historias de diferente forma. Aquí les dejo dos ejemplos de fotos que le hice a Patricia Barreto (una actriz fabulosa y además un encanto de persona) cuyo balance de blancos fue modificado exclusivamente por motivos estéticos. Estos balances de blanco fueron cambiados, además, antes de realizar las tomas por que quería ver el efecto en la pantalla de la cámara.

La primera toma de Patricia tiene la temperatura modificada de forma que los colores del flash que utilicé aparezcan cálidos. De esta manera logramos darle una sensación más cercana y hogareña a la toma. En la segunda toma el proceso fue al revés ya que modifiqué la temperatura de color para que los tonos fueran más fríos y acercarme a una estética de luz de luna.

Bueno, por ahí van los tiros. Felicitaciones por llegar hasta el final, espero este artículo haya servido para empezar a conocer como funciona el tema del balance de blancos. Si tienes cualquier pregunta no dudes en escribirla en los comentarios.

Un saludo y nos seguimos leyendo!

PD: Para quienes quieran ver actuar a Patricia, pueden hacerlo de jueves a lunes en el Teatro de Lucía con la obraConfusiones dirigida por Óscar Carrillo. No se la irán a perder no…?

teoría del color digital

***ADVERTENCIA: ESTE ARTÍCULO ESTÁ ESCRITO PARA QUE SEA LO MÁS SIMPLE POSIBLE AUNQUE ESO SIGNIFIQUE NO ENTRAR EN DETALLES QUE, SI BIEN SERÍAN MÁS PRECISOS, PODRÍAN LLEVAR A CONFUSIONES***

El tema de la “teoría del color digital” es para mi uno de los temas más importantes en fotografía digital debido a sus repercusiones en temas relacionados y espero con este artículo intentar explicarlo. La idea, en realidad, es bastante simple y parte de la pregunta: ¿cómo se genera el color en el mundo digital?

Resulta que nuestras cabezas han trabajado por años con colores generados a base de pigmentos (que por cierto, vemos por que reflejan luz…). De chicos seguramente jugamos con témperas y supimos rápidamente lo que sucede cuando mezclamos muchos colores… Esta forma de generar color a partir de pigmento responde a la teoría sustractiva del color y un lugar donde la podemos ver actuar constantemente es en las impresoras a color de cualquier casa (donde por lo general encontramos un cartucho negro y otro con los colores Cian, Magenta y Amarillo – CMYK) . El tema de la teoría sustractiva de color da para mucho pero ahora me quiero centrar en aquella que explica la forma en que se generan los colores en el mundo digital, esa es la teoría aditiva.

Además de crear colores con pigmentos, también lo podemos hacer con luz y es aquí que empezaremos a comprender cómo funcionan los dispositivos que generan colores en el mundo digital (televisores, proyectores, cámaras, celulares, etc…) Son tres los colores primarios en la teoría aditiva, el rojo, el verde y el azul y de ahí las siglas RGB (Red, Green,Blue) que seguramente más de una vez hemos encontrado (los colores secundarios en la teoría aditiva son el amarillo, el magenta y el cian pero esto lo hablaremos en otro artículo…). Estos tres colores son los encargados de generar todos los colores que estamos viendo ahora mismo en la pantalla de nuestra computadora. Cada vez que vemos, por ejemplo, una foto de un paisaje en la pantalla de un televisor o en la pantalla de un celular, debemos saber que ese paisaje se generó a partir de tres colores primarios, los tres colores primarios de la teoría aditiva (rojo, verde y azul…)

Ahora, puede resultar un poco difícil comprender cómo a partir de solamente tres colores se puedan generar tantos colores como vemos en cualquier imagen digital y es aquí donde este tema se empieza a poner especialmente interesante…

La razón por la que se pueden generar tantos colores a partir de únicamente tres colores básicos responde a que cada uno de estos tres colores se presenta en un total de 256 “intensidades” (con valores que van de 0 a 255) Es decir, el rojo tiene un total de 256 niveles, el verde tiene 256 niveles y el azul tiene 256 niveles.

Para ver esto con un poco de mayor facilidad vamos a imaginar una habitación sin ventanas ni puertas y con las paredes, el techo y el suelo pintadas de negro. Dentro de esta habitación hay tres focos, uno de color rojo, otro de color verde y otro de color azul. Empecemos por imaginar que los tres focos están apagados y que con la ayuda de un dimmer, empezamos a encender el foco de color rojo. Mientras estaba apagado, este foco permanecía en su nivel “0″ (la habitación estaba negra por falta de luz) y conforme lo encendemos y su luz se va volviendo más intensa va acercándose al nivel 255 de “intensidad” (máximo nivel…) Lo mismo podríamos hacer con los otros dos focos y la idea se repetiría. Esto lo podríamos resumir diciendo que mientras más bajo el nivel de ese rojo, verde o azul, más cerca estará del negro (nivel “0″) y mientras más alto sea ese número (nivel “255″) más cerca estará del “rojo puro”, el “verde puro” o el “azul puro”. Ahora, y para ir cerrando un poco el ejemplo de la habitación pintada de negro, imaginemos que esa habitación es en realidad la pantalla de una computadora y que esos focos son los pixeles que la constituyen. El característica “aditiva” viene, básicamente, de que para poder ver color debemos de sumar información sobre un soporte (una pantalla por ejemplo…)

Tomando en cuenta lo que acabo de comentar, si tenemos disponibles 256 niveles de rojo, 256 niveles de verde y 256 niveles de azul, probablemente haya algunos de ustedes que imaginen matemáticamente cuantas combinaciones podemos lograr a partir de estos niveles de cada color. Para quienes no lo sepan, la respuesta en realidad es bastante simple. La cantidad de colores que podemos lograr a partir de estas combinaciones resulta de multiplicar 256 x 256 x 256 lo que da un total de 16,777,216 colores.

Miren como queda la imagen que encabeza el artículo cuando combinamos los tres colores (en sus diferentes niveles…) que la forman:

Algunas preguntas normales suelen surgir de esta teoría, aquí algunas de ellas:

– ¿Cómo se logra el color negro puro? El negro puro se genera dejando todos los colores en su nivel “0″ (0, 0, 0) Algo parecido a apagar los focos o pixeles de la pantalla de una computadora lo que genera que la pantalla se vea negra.

– ¿Cómo se logra el color blanco puro? Por muy raro que parezca, el blanco puro se logra poniendo los tres colores a su máximo nivel (255, 255, 255) Por ejemplo, el fondo blanco de este blog está hecho por píxeles que llevan sus valores de RGB a su máxima potencia. El fondo de facebook y de google entre otras muchísimas páginas también…

– ¿Cómo se logra el color rojo puro? Dejando el color rojo en su máximo nivel y los otros dos colores en su mínimo nivel (255, 0, 0)

– ¿Cómo se logra el color verde puro? Dejando el color verde en su máximo nivel y los otros dos colores en su mínimo nivel (0, 255, 0)

– ¿Cómo se logra el color azul puro? Dejando el color azul en su máximo nivel y los otros dos colores en su mínimo nivel (0, 0, 255)

– ¿Cómo se logran los colores secundarios? (cian, magenta y amarillo – CMY) Estos colores se logran dejando dos de los canales en su nivel máximo y el tercero en su nivel mínimo. Cian (0, 255, 255), Magenta (255, 0 , 255) y Amarillo (255, 255, 0)

– ¿Cómo se logran los tonos de gris? Los tonos de gris se logran alineando los tres valores RGB, es decir, usando el mismo valor para los tres colores. Un gris claro, por ejemplo, podría lograrse usando la combinación 230, 230, 230. Un gris oscuro, por el contrario, se lograría alineando valores cercanos al negro como por ejemplo 20, 20, 20.

De esta última pregunta, una de las conclusiones que me resulta especialmente interesante es que la única forma de lograr un gris 100% neutro es a través de una combinación homogenea. Si uno de los valores RGB no está alineado, ese gris no será neutro (hablaré de este tema en otro artículo más adelante ya que se enlaza con el tema de balance de blancos…)

En estos dos ejemplos podemos ver los valores de tres puntos de dos fotos, una a colores y otra en blanco y negro cuyos valores terminan alineados.

Bueno, por ahí van los tiros cuando nos referimos a la teoría del color digital. Si quieres experimentar con su forma de trabajar y tienes Photoshop instalado en tu computadora, abre una foto cualquiera y activa la pantalla de “info” (f8) y en ella podrás comprobar el valor RGB de cada pixel sobre el que pases el puntero de mouse. Y si tienes mac y te gustaría tener a mano una herramienta parecida, busca a través del spotlight una herramienta que se llama “medidor de color digital”, seguro que te gusta.

Espero que este artículo sea un primer paso para entender como funciona el color digital. Si tuvieran cualquier pregunta sobre este teme que seguiré tocando en futuros artículos no dudes en escribir un comentario.

Un saludo y seguimos en contacto!

PD1: Si tienen un teléfono “destos inteligentes” busquen una app que se llama “RGB Picker” o “ColorChecker”. Son dos de mis favoritas y si les interesa este tema, seguramente les resultarán útiles para terminar de entenderlo.
PD2: Felicitaciones por llegar hasta el final, no mucha gente lee hoy en día…

las 6 luces ¿o tres?

Hola a tod@s!

Últimamente ando un poco alejado de los flashes los que he estado usando para trabajos pero utilizando esquemas relativamente simples. Además, en las clases que he estado dictando ultimamente me he concentrado en la luz natural y muchas veces también en la utilización de tachos de luz continúa. Sea como sea, quiero procurar siempre estar en contacto con la iluminación y por eso hice esta sesión de fotos con Michelle (muchas gracias Michi!).

Hacia tiempo que quería montar este esquema de luces. Esta manera de disponer los flashes genera un efecto que me parece lindísimo y aunque en realidad nunca lo había aplicado ya lo había planeado en mi cabeza. Como luz principal usé dos flashes marca Bowens 500C a 45 grados y con paraguas blancos. Estas luces estaban bastante picadas y rellenadas con un rebotador plateado que se encargaba de iluminar las sombras que se formaban en la parte del cuello, boca, nariz y ojos. Por detrás de Michelle había dos cajas de luz montadas sobre dos Bowens 500C y también a 45 grados. Estas dos cajas de luz se encargaban de separar a Michelle del fondo, general esa iluminación que se ve en el lado derecho del rostro (por el tipo de peinado en esta foto no se nota en el lado izquierdo) e iluminar el pelo de forma suave. Para terminar, hacía falta quemar el fondo para la foto que tenía en mente y para eso usé dos flashes pequeños (un Canon 580EXII y un Canon 430EX) ya que el area que tenía que cubrir no era muy grande. Las potencias que usé fueron de 1/4 en el caso de los flashes grandes y de 1/2 en el caso del Canon 430EX y de 1/4 en el caso del Campm 580EXII.

Y sobre la explicación del título, resulta que la realidad de este esquema es que aunque esté construido a partir de 6 luces (dos luces principales, dos luces de separación y dos luces de fondo…) no es más que un esquema de 3 luces multiplicado por dos (sí, como lo acabo de escribir…) A veces pensar en esquemas de esta manera (simplificando las luces o multiplicándolas por dos…) ayuda a quitarnos el miedo que puede generar trabajar con un número de luces mayor a dos. Esto desde luego se hace más fácil si contamos con 4 flashes iguales (en este caso los Bowens) que permitan regular su potencia de la misma forma.

Bueno, por ahí van los tiros. Espero les sea útil y se animen a intentarlo que para eso he puesto la foto del esquema

Un saludo y seguimos en contacto!

PD: Para quienes les queda la duda…f11, 1/160 e iso 100

¿Quien dijo fotómetro de mano?

Hola a tod@s

Hace un par de semanas subí una foto en Instagram que mostraba el fotómetro de mano que acababa de comprar. Es gracioso que yo hable de fotómetros de mano tomando en cuenta que en muchos de mis talleres de iluminación en exterior, cuando tenía ya al grupo reunido, preguntaba: “hay alguien aquí que tenga fotómetro de mano?” a lo que alguien siempre respondía que sí. En eso momento le decía: “quítale las pilas y mételo dentro de un cajón…”. Es por eso seguramente que mucha gente se ha extrañado al ver que he comprado un fotómetro de mano

Recuerdo bien como cuando compré mi primer kit de iluminación en el año 2008 (un “Tokura 3000”), el encargado de la tienda (M.I.) me dijo que tendría que comprar sí o sí un fotómetro de mano, que no lograría exponer una escena sin uno. A partir de ahí, supongo, empecé a estudiar el tema de la iluminación y quedé absolutamente enganchado para siempre.

No tuve mi primer fotómetro de mano hasta probablemente un año después de comprar el kit. En ese momento el fotómetro de mano que compré fue el Sekonic L-308s (muy buen fotómetro por cierto, pequeño y de menor precio que muchos otros modelos) Tuve ese fotómetro algún tiempo hasta que decidí venderlo ya que no le daba mayor uso. Esa fue en resumen mi historia con los fotómetros de mano hasta hace un par de semanas en que me encontré con una oferta que no podía rechazar y más tomando en cuenta que conseguir aparatos de este tipo y a buen precio en Lima es casi imposible. Encontré un fotómetro Sekonic L-358 nuevo y en caja a MUY buen precio. Ahora, que encontremos algo a muy buen precio no justifica o al menos no debería justificar que lo compremos pero en mi caso esta compra no solo estaba motivada por el precio, también estaba motivada por la necesidad…y aquí va la explicación…

Sigo pensando que es ideal aproximarse al tema de la iluminación sin contar con uno de estos aparatos (ya me pueden apedrear…). Si bien la curva de aprendizaje/resultado puede que sea más empinada cuando contamos con uno, sigo creyendo que los conocimientos se asientan mejor si no contamos con uno desde un principio. Es así que al menos en el tema de flashes portátiles (y más aun si trabajamos en exterior mezclando flash y ambiente…) me reafirmo en eso de quitarles las pilas y guardarlos en un cajón (al menos durante un tiempo…) Por usar una palabra un poco complicado, pedagógicamente creo que es valioso aproximarse al mundo de la iluminación sin contar con uno de estos aparatos. Ahora, si ya están metidos un tiempo en el tema de la iluminación puede que resulte buena idea tener uno y aquí intentaré explicar por qué.

Actualmente, y después de mucho tiempo, puedo lograr la exposición que esté buscando (usando flashes portátiles o de estudio) por lo general, en dos tomas. Con esto me refiero a que en función a la potencia del flash que esté utilizando y su configuración (zoom o si estoy usando algún tipo de modificador…) escojo unos parámetros de partida (obturación, diafragma e iso) y hago una toma. La segunda toma suele servir para ajustar usando la pantalla de la cámara (y a veces el histograma) para lograr la exposición que estoy buscando. Y ojo que no he dicho la exposición “correcta”, estoy hablando de la exposición “que estoy buscando” a nivel estético.

Ahora, sucede con cada vez más frecuencia que trabajo con más fuentes de luz. Me encuentro a veces con esquemas de 6 o 7 luces y en esos casos un fotómetro me puedo ayudar y mucho a exponer mi escena sin necesidad de hacer “chimping”. No solamente puedo ganar tiempo exponiendo mi escena “numéricamente” sin necesidad de ver la toma en la pantalla si no que además, y aquí una de las fortalezas de este producto, puedo también reproducir un esquema logrando resultados consistentes. Poder trabajar, por ejemplo, con ratios a la hora de hacer un retrato se hace tremendamente fácil usando un fotómetro. Y volviendo al inicio por un momento…¿necesitamos poder trabajar con ratios? Yo creo que no todos lo necesitan aunque por el momento en el que estoy a mi me resulta muy útil.

Otra situación en la que me resulta útil la utilización de un fotómetro es aquella en la que tengo que fotografiar un número grande de personas. No es lo mismo hacer una foto de un grupo de 4 personas que hacer una foto de un grupo de 30 y si tenemos un espacio reducido que no nos permite alejar nuestras luces lo suficiente de los modelos, un fotómetro de mano puede resultar tremendamente útil. Este fotómetro se puede usar para medir la exposición en cada una de las posiciones que los sujetos ocuparán en la foto y así asegurarnos de que la exposición sea lo más consistente posible.

Sucede también que últimamente visito muchos lugares en los que tengo que trabajar y esa visita, entre otros propósitos, tiene por función conocer qué luz hay disponible en la localización para el día de la sesión. Muchas veces hago estas visitas con una cámara en el hombro pero ahora probablemente algunas de estas visitas las haga cargando solamente el fotómetro de mano. Y ojo, no hace falta tener un fotómetro de mano para saber que un lugar está fatal de luz, con la experiencia lo podrán evaluar rápidamente a ojo. De momento a mi me resulta interesante tener esta otra opción abierta.

Y por último, al menos hasta nuevo aviso, actualmente algo que hago mucho en fotografía es enseñar (por mi cuenta y a través del Centro de la Imagen. A veces, en situaciones de prácticas, cuando no tengo la cámara a mano suelo decir en voz alta, en función a como tenga la luz a mi alrededor, unos parámetros que puedan usar mis alumnos para estar cerca de una exposición de forma que ellos sobre esos parámetros ajusten su propia exposición en función a sus propias necesidades o estéticas. Tener un aparato como este puede resultar interesante a la hora de encontrarme con este tipo de situaciones en los que puede ser interesante darles un punto de partida a los alumnos.

En fin, por ahí van los tiros y mi “historia” con los fotómetros de mano. Si crees que ha llegado el momento de comprar uno este modelo es una excelente opción. Si andas un poco apretado de dinero y quieres comprar empezar a experimentar con uno, el modelo L-308s que mencioné al principio es una excelente opción.

Un saludo y seguimos en contacto!

18% gris

¡Hola a tod@s!

Hacía ya bastante tiempo que quería escribir un artículo sobre la carta 18% gris (aunque no tenga una…) por que creo que entender su concepto nos puede ayudar a entender cómo se comportan nuestras cámaras en distintas situaciones.

Empecemos por lo primero, sabemos ya que nuestras cámaras tienen integrado un fotómetro de luz reflejada no? Bueno, sí, dentro de tu cámara hay un fotómetro de luz reflejada. Ahora, probablemente todos los que están interesados en fotografía han escuchado hablar alguna vez de la palabra fotómetro. Los dos tipos de fotómetros más conocidos son el de luz incidente (como estos) y el de luz reflejada (presente en la gran mayoría de cámaras) Del que me interesa escribir ahora es del fotómetro de luz reflejada así que ahí vamos…

Con la medición de la luz reflejada lo que está midiendo nuestra cámara (sí, a través del fotómetro integrado) no es más que la luz que refleja aquello que queremos fotografiar (aquello que aparece en nuestro encuadre a través del visor…). Seguramente no les resultará muy extraño si les digo que una superficie blanca cualquiera reflejará mucha de la luz que reciba (más del 90% de la luz que reciba) Por el contrario, una superficie negra cualquiera reflejará muy poca de la luz que reciba (menos del 10% de la luz que reciba) Ahora, seguramente alguna vez escucharon hablar de la carta 18% gris…¿se imaginan cuanto de la luz que recibe refleja? Sí, refleja el 18% de la luz que recibe…Capito?

Nuestras cámaras están diseñadas para que logremos resultados consistentes en nuestras tomas. Esa consistencia se logra haciendo que toda aquello que encuadremos refleje 18% de luz (esto también dependerá del modo de medición que utilicemos pero por el momento no nos vamos a complicar…). Es así entonces que cuando estamos en modo manual y llevamos nuestro fotómetro a “0” (moviendo los parámetros de obturación, diafragma e iso) lo que estamos haciendo en realidad es confirmarle a nuestras cámaras que queremos que aquello que tenemos por delante sea capturado de forma que refleje 18% de la luz que recibe. Es así que en las típicas situaciones que probablemente alguna vez hemos escuchado, el fotómetro de nuestras cámaras suele darnos un resultado que no esperábamos. Tal es el caso de aquella escena de un gato negro en el medio de la noche la que probablemente no veamos como negra en la pantalla si no más bien como gris 18% o la escena de un oso polar en el medio de la nieve el cual también se representará como gris 18% en vez de blanco.

Como comentaba al principio del artículo yo no tengo una carta 18% gris (aunque tengo el Color Checker Passport…espero alguna vez escribir sobre él) A continuación les dejo tres ejemplos que confirman de alguna manera la teoría que acabo de explicar. Se trata de un ejemplo que he visto más de una vez en internet pero creo que puede ser muy útil y para eso lo he reproducido.

En la primera foto podemos ver donde estaba posicionada la cámara en el momento de hacer la foto. Podemos ver como en el encuadre hay presentes tres cartulinas, una de color blanco, otra de color negro y una de color gris (muy parecida a una carta gris 18%) Así, en las tres siguientes fotos lo que hice fue utilizar el modo de medición puntual (que toma en cuenta únicamente el centro del encuadre, aproximadamente el 3,5% en mi 5d) y modificar los parámetros de exposición (en este caso solo modifiqué la velocidad) para poner el fotómetro en “0″ midiendo primero sobre la cartulina gris, luego sobre la blanca y finalmente sobre la negra. Como pueden ver en los resultados, aquella cartulina en la que hicimos la medición (está representada en la foto con un fotómetro puesto en “0″) terminó siendo representada de color gris 18% a pesar de que de las tres cartulinas la única 18% gris era la primera.

 

Los animo a que hagan la siguiente prueba que cualquiera que tenga una cámara y una pared blanca puede hacer. Pongan su cámara en modo manual, pasen su enfoque también a modo manual (ya que si no lo hacen lograr que la cámara enfoque es muy difícil), pongan su balance de blancos en automático y encuadren una pared blanca (de forma que en el encuadre solo aparezca pared, nada más) Muevan los parámetros de la exposición hasta que el fotómetro quede en 0 y hagan la foto. Si han seguido los pasos correctamente notarán como la foto de la pared blanca no resulta ser blanca si no más bien 18% gris. Lo pueden incluso comprobar al pedirle a la cámara que les muestre el histograma de la imagen capturada donde podrán ver como la montaña no estará pegada a la derecha… Si quieren hacer otra prueba intenten hacer el mismo ejemplo pero con una superficie negra y verán como nuevamente se representa como 18% gris.

Ahora, ¿cuales son las aplicaciones de la carta 18% gris? Es muy común que la carta 18% gris se use para dos propósitos principalmente. Uno de ellos es lograr un balance de blancos personalizado (el tema de balance de blancos es tremendamente interesante, también un artículo de este tema está en el pipeline…) y el otro es obtener una correcta exposición de una escena. Es así que si la queremos utilizar para hacer una fotografía “correctamente expuesta” (eso de correcto sabemos que es relativo no?) una opción es incluir la carta 18% gris en el encuadre y bajo la misma luz que esté recibiendo la escena, hacer la medición de la luz en ella (moviendo los parámetros de la exposición hasta que el fotómetro quede en “0″) y tomar la foto.

Bueno, por ahí van los tiros. Espero que les haya servido. Ahora toca preparar el artículo de los modos de medición que utilizará lo que he escrito aquí como base para desarrollarlo.

Un saludo y seguimos en contacto!

PD1: El ejercicio que les planteo de la pared blanca y negra obviamente también se puede hacer en los modos automáticos o semiautomáticos de la cámara (prioridad a la apertura, prioridad a la velocidad y programa) y con cámaras de bolsillo también aunque creo que es especialmente útil hacerlo en modo manual para que en el proceso veamos como nuestros fotómetros nos pedirá modificar los valores de exposición (para lograr situarlo en “0″) según la superficie que estemos fotografiando.
PD2: Usas tu cámara en modo manual no? espero que sí y si aun no lo haces te animo a que lo intentes
PD3: Felicitaciones por lograr leer todo el artículo, estoy seguro que no todo el mundo lo logra

familia en el parque

Hola a tod@s!

Estas dos ultimas semanas han estado llenas de proyectos, he tenido encargos muy bonitos, he seguido poniendo a punto el estudio y finalmente voy terminando la preparación para los talleres que empezaré a impartir en el mes de abril.

Entre las sesiones que he podido hacer está esta de la que aquí les dejo una pequeña muestra. Hicimos la sesión temprano por la mañana en un parque lindísimo que nos ofreció sombras suficientes para no pasar calor y poder tener luces suaves en las tomas. Se trató de una sesión que disfruté muchísimo ya en ella conocí a una familia encantadora con tres hijos maravillosos (MIL gracias por permitirme publicar estas fotos).

Cuando se trata de fotografiar niños/familias personalmente prefiero hacer las tomas en exteriores y con luz natural. Es bastante común que los niños no disfruten tanto de que les hagamos fotos y por eso es fundamental que se sientan cómodos y relajados durante una sesión de fotos. Así creo que un niño se sentirá siempre mas cómodo al aire libre que dentro de un estudio.

Además, trabajar con luz natural tiene una ventaja grandísima que tiene que ver con que los niños se pueden mover con mucha mayor libertad sin la necesidad de tener que quedarse quietos cerca a las luces de los flashes. Esto tiene mucho que ver con la teoría de la “profundidad de campo de la iluminación” que se que he dicho muchas veces que quiero explicar en un artículo, espero poder hacerlo pronto.

Un saludo y nos seguimos leyendo!

PD1: El blog sigue evolucionando, para quienes habían mencionado la necesidad de un enlace para google reader pueden finalmente encontrarlo al pie del blog al igual que una barra de búsqueda. Muchas gracias @exeperucom por su ayuda y paciencia.
PD2: Si quieres recibir un correo electrónico cada vez que publico algo nuevo en el blog lo puedes hacer suscribiéndote. Al dejar un comentario verás que debajo hay una opción que dice “notify me of new posts by email”. Deja tu correo (no se publicará…) y sigue las instrucciones

Zona de Confort

Conocí a Paul Martin no hace más de tres semanas, nuestros hijos se hicieron amigos en la playa casi de inmediato y tras cruzar algunas palabras con él pude comprobar que se trataba de un tipo A1. Hace un par de días nos volvimos a encontrar y le propuse una sesión de fotos un tanto particular y con un tanto particular me refiero a que se me había metido en la cabeza sacar a Paul de su “zona de confort” y llevarlo hacia fotos un poco menos convencionales (fui yo quien le pidió que no se afeitara…) Así, hicimos una sesión de fotos que se pasó volando en mi estudio de Miraflores. Gracias Paul por tu ayuda, por la converza y por la música, ha sido un verdadero placer tenerte frente a mi cámara.

Y para los que pudieran estar interesados en los datos técnicos de las tomas aquí un pequeño resumen (no me pregunten las potencias que siempre las olvido). Tomas 01, 05, 07 y 08: Dos flashes desnudos a 45 grados contra la espalda de Paul + una ventana de 45×45 picada y rellenada con reflector plateado. Toma 02 y 06: Un solo flash tras ventana de 45×45 con relleno de reflector plateado. Toma 03: Esta es dificil de explicar…en ella intervienen dos luces desnudas que se disparaban a través del cartón del sinfin (a la izquierda de la toma) y un flash picado y a 45 grados tras una ventana de 45×45 (sí, no se en qué estaba pensando…) Toma 04: Un flash tras una ventana de 45×45 picada y rellenada con reflector plateado. Todas las tomas hechas con el 135L (sí, sigue siendo un lente magnífico también para estudio…) a ISO 100 y todas por arriba de f8… (sí, arriba de f8 yo…)
Nos seguimos leyendo!

PD1: Se siente bien estar de vuelta
PD2: Ahora que también estoy trabajando en estudio sigo sin usar fotómetro y me encanta.

¡Hola Lima!

Pronto se van a cumplir tres meses desde que volví a Lima junto con mi esposa e hijas y desde que salí de Sevilla que no había vuelto a escribir nada en el blog. Y no solamente eso si no que hasta la semana que acaba de terminar no había prácticamente cogido aun la cámara de fotos…

Mi vuelta a Lima ha estado llena de emociones, ha sido un viaje largo que empezó hace ya casi 9 años y que finalmente llegaba a su fin hace casi tres meses. La despedida fue muy dura y como era de esperar el aterrizaje ha requerido de mucha de nuestra energía. Siento mucho el haber estado desconectado, no ha sido si no hasta hace pocas semanas que finalmente mi vida se ha empezado finalmente a ordenar un poco y ahora retomo este espacio que tanto disfruto con las pilas cargadas. Y como pueden ver en un el blog nuevo con las paredes recién pintadas…

Hacía ya tiempo que tenía pendiente renovar el aspecto del blog. Si bien le tengo un cariño especial a la plantilla que siempre he usado, creo que ya había llegado el momento de renovarla y de que el dominio que lo acompañaba fuera el que ya hace mucho tiempo había comprado pero aun no utilizaba. Es así que me puse en contacto con el equipo de EXEPERÚy gracias a su talento, profesionalidad y paciencia hoy estreno una casa que llevó desde sus principios la idea de simpleza y limpieza y que hoy espero les guste (mil gracias Mario, Alberto, Jimmy y Luigui por su ayuda)

Otra cosa importante (al menos a nivel fotográfico) que ha sucedido en Lima es que finalmente tengo estudio. En Sevilla nunca había logrado tener uno y al llegar a Lima supe que tenía que encontrar un espacio en el que poder trabajar cómodamente por lo que me puse a buscar local activamente. Es así que encontré los 94 mt2 que ahora son mi estudio y que pueden ver en la foto de arriba. Estas fotos corresponder a la primera sesión de fotos con el estudio finalmente montado y para hacerla conté con la ayuda de Karine Aguirre, una bailarina talentosísima y encantadora que fue una modelo excepcional para una ocación tan especial (mil gracias Karine por tu ayuda, como te comenté anteriormente, has puesto el listón muy alto para mis futuros trabajos…)

Espero a partir de ahora escribir sobre mi experiencia en el estudio, se que hay mucha gente que conoce mi trabajo de iluminación en exteriores y que puede estar interesada en esta experiencia por lo que espero pronto hablar de todos esos detalles. Espero también en estos días publicar las fechas para los talleres que tengo preparados en Lima, “Introducción a la Fotografía Dígital” e “Introducción a la Iluminación en Exteriores”. Dos talleres que se curtieron en España (Algeciras, Barcelona, Madrid, Zaragoza, Sevilla) y que ahora finalmente podré impartir en Lima.

Bueno, bienvenidos a mi nuevo blog desde este lado del charco (el lado que me vio nacer…) espero nos sigamos leyendo por aquí. Los dejo con algunas fotos de la sesión que hicimos en mi estudio con Karine.

PD1: No sabes cuanto me alegro Javi de que tu deseo para reyes se haya cumplido

PD2: Estar cerca de tu familia no tiene precio y mis hijas, a tan temprana edad, ya lo comprueban día a día.

PD3: Gracias por leerme, me alegro de verte nuevamente por aquí

 

…me he mudado de casa…

…te invito a visitar la nueva…

…gracias España…

Finalmente llegó el día en que debía enfrentarme a este post, el post en que me despido de España y como no, le doy las gracias por todo lo que me ha dado en estos más de 8 años que nos acogió durante los cuales, entre otras muchas cosas, nacieron mis hijas. Hoy parto a Lima, la ciudad donde nací y en la que me reuniré con mi familia, esa que dejé hace ya tanto tiempo. Me cuenta mucho escribir esto, es muy fácil que me ponga tontorrón haciéndolo así que de antemano disculpas.

Si quisiera ser totalmente justo tendría que darle las gracias personalmente a tanta gente que he conocido aquí desde que llegué y espero que esas personas sepan que estoy pensando en ellas cuando escribo estas palabras. La fotografía me ha dado un regalo enorme al permitirme vivir de algo que me apasiona pero me ha dado algo incluso más valioso y es que me ha permitido conocer gente fabulosa. Aun estoy en shock con los mensajes que he recibido a través de facebook, de twitter y del blog. Siempre me ha llamado la atención la manera tan calurosa que tiene el español para agradecer las cosas pero con esta despedida me he quedado completamente pillado. Muchas gracias de corazón a todas las personas que se han acercado a despedirse a través de sus mensajes y buenos deseos para mi y mi familia.

Les pido mil disculpas por tener el blog tan abandonado y por tardar tanto en responder mensajes, mi vida en los últimos meses ha sido un verdadero caos y espero en Lima tener finalmente más tiempo para dedicar a esta casa que sin darme cuenta ha acojido ya a tanta gente.

Hasta siempre España, gracias y mil veces gracias. Nos seguimos leyendo desde el otro lado del charco.

Pd: Me cuesta escuchar esta canción sin derramar alguna lágrima, os la dejo por que me trae unos recuerdos maravillosos de esta ciudad.

…revolution light sevilla y una despedida…

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POR FAVOR, LEE ESTO:
Este sábado 12 de noviembre dejo España y es por eso que este jueves he querido hacer una pequeña y sencilla despedida a la que quisiera invitar a toda aquella persona que haya conocido durante mis años de fotógrafo en Sevilla. Es por eso que este jueves 09 estaré en la Peña Sevillista de Tomares (frente a la iglesia) a las 20:00. Me encantaría veros por ahí para poder despedirnos por última vez.
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Y dicho esto aquí os dejo algunas de las fotos que hice durante el Workshop Revolution Light de Sevilla, un workshop muy especial para mi ya que finalmente ha sido el último que he impartido antes de dejar España. La experiencia nuevamente fue fantástica (la primera fue en Madrid) y conté con la ayuda de una modelo que aunque no lo crean posaba frente a una cámara por primera vez. Marta García Piñero posó en cuatro sesiones con los cuatro grupos de alumnos con los que pasamos dos días llenos de fotografía y buen rollo. Muchas gracias Leandro, Roland y Horacio por todo, a ver si hay suerte y nos volvemos a ver pronto.

PD: La primera y la última foto se hicieron con el Canon 16-35L, definitivamente tengo que darle más oportunidades a este lente.

…cambio de nombre…

Hace ya más de un año que publiqué el artículo en que hablaba de las “sesiones a la carta” y aun me sigue pareciendo interesante como en su día estaba convencido de que se trataba de una fórmula que yo había inventado.

Las sesiones a la carta son algo parecido a las clases particulares con la peculiaridad de que durante las 4 horas que suelen durar, es el mismo alumno quien decide qué hacer y qué temas tocar (de ahí el nombre de “a la carta”)

Bueno, si bien son muchas las personas que me han contratado para dar estas sesiones a la carta, la cierto es que parece ser que el nombre generaba muchas confusiones ya que algunas personas no entendían que se trataba de una clase… Es así que a partir de ahora voy a empezar a utilizar un término que se aplica con mucha frecuencia de forma internacional y que creo que se prestará a menos confusiones, a partir de ahora las sesiones a la carta pasan a llamarse “One on One”.

Uno de los últimos “one on one» lo hice con una persona que ya había sido alumna mía en un taller de iluminación de Sevilla. Michael vive en Málaga y junto con Gloria (maquilladora profesional) viajaron hasta Sevilla para recibir este tipo de clase. Con la ayuda de María Brito como modelo (guapísima y encantadora por cierto…MIL gracias por tu ayuda) practicamos durante tres horas todo lo relacionado con exposición con luz natural, bloqueo de enfoque, balance de blancos, tamaño aparente de la fuente de luz, mezcla de luz natural y flash, rebote de flash contra paredes y techos, etc, etc…

Como es costumbre durante estas clases intento hacer algunas fotos mientras el alumno práctica, aquí os dejo esas fotos. Espero que os gusten.

PD1: Aun quedan plazas para «Revolution Light Sevilla» los días 05 y 06 de noviembre. Vas a venir «o te los vas a reperder»? Puedes encontrar más información aquí.
PD2: Siento estar un poco ausente ultimamente, si la internet que tenía en Tomares era mala al menos funcionaba ya que la que tengo en el hotel funciona de forma intermitente y al menos durante las últimas dos semanas solo la he podido usarla en algunos momentos… 😦

…taller de iluminación en zaragoza…

Había conocido a Roberto en el Workshop Revolution Light de Madrid y es a partir de ahí que seguimos en contacto y al saber que me iba de vuelta a Lima se le ocurrió la idea de organizar un taller de iluminación en Zaragoza. Y así, casi sin darme cuenta, ya estaba subido en un tren camino a esa tierra donde me esperaba un grupo encantador con el que pasamos todo un día lleno de pasos, flashes, diafragmas, paraguas, rótulas, etc. Experiencias y gente como la que me encontré en Zaragoza es lo que confirma lo difícil que va a resultar dejar España, estoy unido a esta tierra de por vida y espero que tras el 12 de noviembre las oportunidades de volver se concreten. Aun no me he ido y ya tengo mono de esta tierra…

La parte práctica del taller se desarrolló en una nave de lámparas (que luz no falte…nunca ☺ ) y contamos con la ayuda de cuatro modelos fabulosos a los que podeis ver aquí abajo. Nicoleta Serghei, Isabel Linares, David Ardanaz e Indra Dulamsuren. Con su ayuda atacamos el tema de la iluminación centrándonos en el control de un flash.

Aquí algunas de las fotos que pude hacer durante las prácticas del taller y en momentos en que raptaba a algunos de los modelos 😉 Espero os gusten.

Y aquí la foto de grupo, que agradezco enormemente que siempre haya alguien que me recuerde que debo de hacerla 🙂

PD1: Roberto, qué te puedo decir que no te haya dicho ya, eres un tipazo, me encantó estar en Zaragoza y pasar tiempo con tu familia. Me hicisteis sentir en casa amigo mío, muchas gracias de verdad.
PD2: Nos vemos en Revolution Light Sevilla? “o te lo vas a reperder”
PD3: Ya cada vez queda menos para Lima…como vuela el tiempo…

…lula…

Ya había comentado alguna vez como ser fotógrafo tiene la ventaja de que tus amigos se fian de ti a la hora de hacerles fotos (incluso aquellos que nos les gusta estar frente a la cámara…) pero otra ventaja grande es que también te permite hacer amigos… Así, casi sin darme cuenta terminé hablando de fotografía con Lula, una argentina lindísima/simpatiquísima a la que le propuse una sesión de fotos que ella aceptó…

Así nos plantamos en un local que nos prestaron y en dos horas hicimos una sesión de fotos que hacía mucho tiempo tenía ganas de hacer.

Aquí les dejo algunas de las fotos que hicimos juntos, espero les gusten.

Y sobre lo que técnicamente pasó en esta sesión, la verdad es que bastante tomando en cuenta que fue una sesión corta. Me amisté con mi 50mm f1.4 al que tenía bastante abandonado, usé la luz del sol directa, el sol como separación, flash directo (sí, yo flash directo…), ring flash, paraguas tras ventana, etc… Estoy intentando cada vez romper mi linea y proponerme retos, y creo que ya va siendo tiempo para otro video. El martes de la semana que viene grabo 🙂

PD: Ya que se no quieres que te lo agradezca Cynthia pero muchas gracias…
PD: Muchas gracias Lula, encantado de conocerte y de tenerte frente a mi cámara

…zury…

Como han podido ver en las últimas semanas he estado un poco alejado de la fotografía con la venta del piso y la futura mudanza… También es verdad que el video me tiene enganchado y mi cabeza últimamente está ocupado en eso. Aun me río cuando la semana pasada le conté a Aivi que quería volver a grabar un video más y me dijo «otro video!?» jajaja. Bueno, lo cierto es que mi experiencia está en la fotografía y resulta que esta semana tenía que devolver las llaves de la nave que me habían prestado hace algún tiempo…

Es así que terminé haciendo una sesión de fotos con Zury…ya había tenido la suerte de trabajar con ella en una «sesión a la carta» y volver a tenerla frente a mi cámara fue fantástico.

En esta sesión intenté mantener las luces de flash al mínimo sobre todo por que sabía que por la tarde tendría (por el día que nos había tocado) un lindo rayo de luz que ya había aprovechado antes haciendo fotos ahí. Es así que muchas de las fotos que pueden ver aquí se hicieron con luz directa de sol.

Espero que os gusten.

PD1: Hoy por la mañana volví de hacer una sesión a la carta en Jaen durante todo el día de ayer y justamente con un alumno que había tenido la oportunidad de trabajar también con Zury. No quería dejar pasar la oportunidad de daros las gracias, Victoria, Kike, Javier y Pilar, no solo me habéis hecho sentir como en casa sin no también me habeis hecho sentir en familia. He pasado un día formidable de fotografía con vosotros.
PD2: Susana, muchas gracias por ayudarme con la selección y las firmas, encantado de conocerte 😉

…clara…

Hola a tod@s

Finalmente mi vida después de unas semanas bastante complicadas empieza a tranquilizarse. Todo parece indicar que a partir de ahora en adelante, al menos hasta que viaje de vuelta a Lima el 12 de noviembre, la etapa que viene es cuesta abajo, siguiendo con mis proyectos personales, haciendo sesiones por encargo, dando sesiones a la carta, etc. No quiero dejar de darle las gracias a tod@s los que se pasaron por el artículo de la catársis. Es difícil explicar lo mareados/cansados/agobiados que nos hemos sentido en las últimas semanas y leer esos comentarios me han llenado de energía y por eso les estoy tremendamente agradecido. Ya son parte de mi familia y con eso me refiero a todos aquellos que se pasan a leer el blog, muchas gracias de verdad por estar aquí.

Bueno, al lío. No es ningún misterio que el tema del video me llama mucho la atención, cada día me parece más interesante al punto de que últimamente no solo tengo mono de fotos si no que además el video se está incluyendo también en ese «mono» de imagen y luz que suelo tener cada día. Es así que últimamente recluto personas interesadas en ayudarme a llevar a la realidad ideas que tengo en la cabeza y a practicar esta nueva faceta. El video me sigue resultando técnica y estéticamente exigente pero creo que poco a poco voy de camino a pillarle el truco.

En esta oportunidad tuve la suerte de contar con la ayuda de Clara Ruiz (ya había tenido la suerte de tener a Clara como modelo en este taller en Sevilla) quien se mostró dispuesta a llevar adelante la idea que tenía. Definir a Clara resulta difícil y ahora entenderán por qué…Clara ha actuado en teatro (estudió Arte Dramático en la ESAD), ha hecho spots de televisión, ha bailado en orquestas, ha hecho figuraciones especiales en cortos y películas, ha aparecido en videoclips de música, ha aparecido en programas de televisión, ha sido cantante de orquesta desde el 2006 hasta el 2010, ha trabajado como modelo…en fin, de todo vamos, y claro, a eso hay que sumarle que quien tenga la suerte de conocerla sabrá que es una chica tremendamente simpática. Trabajar con ella es una suerte, es pura energía y creo que está demás comentar lo guapa que es ya que en el video lo podrán comprobar.

El video que le hice a Clara lo grabé con la 5d markII, el Canon 50mm 1.4 USM, el Canon 135L f2 y el Canon 38-76 (utilizado como macro) Nos tardamos algo de 2 horas en grabarlo y la edición la hice por completo en el Adobe Premiere Pro CS5.5 (ya creo que perdí las esperanzas con el Final Cut Pro X).

Bueno, aquí el video (hoy solo toca video 😉 ), espero que os guste.

Un saludo y nos seguimos leyendo!

PD: El 5 y 6 de noviembre (justo una semana antes de que vuelva a Lima…) habrá nuevo Revolution Light esta vez en Sevilla. Como dijo Horacio en Madrid,«Vas a venir o te los vas a reperder?»

…catarsis…

Llevo varios días queriendo escribir este artículo pero probablemente el título de algunas claves de por qué hasta ahora no lo he logrado escribir. Me tomo esta entrada como una catarsis ya que una de las ventajas de tener un blog es justamente poder compartir las cosas que pasan por mi cabeza con vosotros. En estas últimas semanas pasan por mi cabeza muchas más cosas además de la fotografía y la verdad es que me viene realmente bien poderlas compartir.

No me encuentro bien, estoy mental y físicamente agotado y supongo que el primer paso para solucionarlo es admitiéndolo. El proceso de venta de mi piso ha sido largo y tedioso (y aun no termina…), nos hemos mudado a un apart hotel (con todo lo que eso significa…), estamos finalmente de camino a solucionar el tema de los gatos (es lo que tiene adoptar en su día cinco gatos…) y probablemente situaciones como estas son las que me recuerdan por qué vuelvo a Lima. Vivir solos en Sevilla durante tantos años (más de 8 años) nos ha enseñado a hacer nuestra vida sin la ayuda de la familia pero supongo que eso, y en especial en un momento tan delicado como este, finalmente nos está pasando factura…

Mis proyectos fotográficos están aparcados, no tengo tiempo para hacerlos y claro, eso tampoco me hace nada bien. Espero en esta semana cerrar muchos temas y finalmente poder descansar, retomar las sesiones y proyectos, las clases, hacer fotos y videos (sí, sigo enganchado al video y con muchas ideas nuevas en mi cabeza) y disfrutar de mis dos últimos meses en Sevilla al lado de mis tres soles (Aivi, Almudena y Manuela). Quería pediros disculpas si llego a tener un poco abandonado el blog o si no respondo los correos electrónicos y tweets con la velocidad que lo suelo hacer (siento tampoco no poder acercarme como quisiera al flickr que creé para comentar las fotos de los alumnos de Barcelona…)

Pues nada, solamente eso, que espero verlos pronto en cuanto vuelva la paz a mi vida. Muchas gracias por estar ahí y por convertirse en parte de mi familia.

Un beso grande para tod@s y nos seguimos leyendo.

PD1: Espero que nunca tengáis que dar de baja un servicio de Gas Natural. Cinco años pagando puntualmente y decir que se están portando como unos cretinos es quedarse corto…
PD2: Creo que es la primera vez desde que abrí el blog en que un artículo no contiene una foto…ufff.

…chen…

El fin de semana pasado pasé por Barcelona para hacer este taller y justamente el domingo mismo, tras terminarlo, Toño, Chen y yo nos fuimos al piso que me habían dejado (muchas gracias Lea!) para hacer una sesión de fotos muy simple pero caracterizada por luces muy suaves, casi imitando la luz natural de la sesión con Elena. Así, con dos flashes (un Canon 580EXII y un Nikon sb-800) un piso lleno de paredes blancas (donde rebotar los flashes y lograr fuentes de luz grandes) y una modelo fantástica (mil gracias Chen) hicimos las fotos que aquí os dejo.

Y como se me ha dado por el video, decidí plantearle a Chen el reto de hacer un video con el 135L a f2. La profundidad de campo usando ese diafragma es pequeñísima y Chen hizo un trabajo fantástico al mantenerse a la misma distancia del plano focal de la 5dmkII.

Aquí el video, editado esta vez en el Adobe Premier Pro. Espero os guste.

PD1: Te vienes a Revolution Light Sevilla? o «te lo vas a reperder»
PD2: Oficialmente estamos ya viviendo en un hotel y si la conexión a internet en mi casa era mala, aquí es pésima. Espero poder seguir con el blog pero pido disculpas de antemano si no puedo responder comunicaciones al mismo ritmo de siempre.
PD3: Si tienes la costumbre de fijarte en los reflejos de los ojos para conocer los esquemas de luces de las fotos, este no es un buen artículo donde perder esa costumbre 😉

…video y fotos con elena…

Algunos de vosotros ya saben que poco a poco el tema del video me está atrapando. Poco a poco voy solucionando los escollos técnicos alrededor de la toma del video y muy lentamente le cojo el truco a la edición (que con la edición hay tela que cortar…a nivel de hardware y software)

Bueno, hace algo de dos meses me topé con Elena en facebook (tenemos una amiga en común) y cuando vi sus fotos simplemente le tuve que proponer/pedir que hiciéramos algo juntos. Me había encantado el tipo que tenía y tras algunas conversaciones se me ocurrió preguntarle si le interesaría que grabáramos un video (MIL gracias Elena por tu ayuda!)

La idea del video era tremendamente sencilla, no tiene una historia por detrás (básicamente una chica despertando de la siesta…) Se trata simplemente una serie de planos con una música de fondo en los que he intentado, a modo de práctica, lograr que tengan congruencia y que den la sensación de secuencia. Ya les digo, tomo esto como una forma de practicar en un mundo en el que me inicio y que me parece la mar de interesante (que ojo, hasta un storyboard y todo hice ehhhhh).

El video lo grabé en algo de hora y cuarto y lo edité con el Final Cut Pro X (que aun me hace sufrir…vaya programa…) Está hecho con la 5dmkII y los lentes usados fueron el 28 f1.8, 50 f1.4 y 135L f2. Aquí os lo dejo para que le den una mirada a ver qué les parece.

Ahora, supongo que por la costumbre, al terminar de grabar el video quedé con la sensación de que me faltaba algo…resultaba extraño haber estado con Elena con una cámara en la mano y no haber hecho fotos así que aprovechamos la localización (gracias Vanessa Y Alejandro por la casa 😉 ) e hicimos una serie de fotos rápida. Aquí les dejo esas fotos también, espero os gusten.

Y justo antes de terminar…luego de un video y fotos, y en un día de lluvia en pleno verano…gracias nuevamente Elena!

PD1: Y para quien tuviera alguna duda, el grifo estaba cerrado mientras Elena se miraba en el espejo en la toma del baño (el agua hay que cuidarla…)
PD2: Ya te apuntaste al «Revolution Light» de Sevilla «…o te lo vas a reperder»
PD3: Tanto las tomas del video como de las fotos están hechas 100% con luz natural
PD4: Alguna vez te ha sucedido que vez a alguien y te apetece mucho hacerle fotos? no te cortes y propónselo, lo peor que te puede pasar es que te digan que no 🙂
PD5: Estamos buscando urgentemente una casa de acogida para dos de nuestros gatos ya que esta semana nos mudamos a un hotel y ahí no los podemos llevar. Si saben de alguien que nos pueda ayudar no duden en escribirme.

…resultado taller de barcelona…

No han pasado más de tres días desde que volví de Barcelona para impartir el Taller de Iluminación con Flashes Pequeños Separados de la Cámara y aun sigo de alguna forma “tocado” por lo que pasó por ahí…

El taller de Barcelona fue uno muy especial ya que (a menos que algo cambie hasta principios de noviembre) es muy posible que este sea el último taller en solitario que imparta en España (finalmente a mediados de noviembre dejo de forma definitiva España con todo lo que eso significa…) Es así que Barcelona ha sido para mi una forma de despedida, una despedida agridulce ya que por un lado después de 8 años me acerca al momento en que me reuniré con mi familia «cruzando el charco» y por otro lado me recuerda todo lo que dejo atrás, los alumnos, los amigos, los buenos momentos que me llevaré a todos lados en la memoria. En fin, no me hagais mucho caso, estoy bastante melancólico y a eso hay que sumar que mientras escribo esto estoy escuchando “I´ll Wait for Us” de Najwa Nimri…

Bueno, volviendo al taller…difícil tarea la de decidir por donde empezar. Llevaba tiempo queriendo organizar un taller en Barcelona y la posibilidad por uno y otro motivo se me había resistido. Finalmente gracias a la ayuda de Xavier Torras me lancé a la piscina con la puesta en marcha y la organización.

Una de las piezas clave en los talleres que organizo hoy en día es la localización. En esta oportunidad tuve la suerte (sí, MUCHA suerte) de toparme por internet con el estudio fotográfico “Shoot 115” fundado por Miguel y Gustavo, socios y creadores de todo lo que rodea a “Shoot 115”. Este estudio tiene un plató impresionante en pleno centro de Barcelona (Calle Pau Claris 115) y ahí fue donde hicimos la parte teórica del taller. Ahora, el estudio tiene también un local que antiguamente fue un taller de bombonas de oxígeno para hospitales (sí, así como lo leen) y que si bien esta semana empieza ya a recibir la visita de los operarios quienes lo convertirán en el “Shoot 027”, en ese momento se alquilaba como localización para sesiones de fotos. Así, la parte práctica del taller la desarrollamos ahí, en un ambiente enorme y con una estética difícil de igualar.

Nos ayudaron 4 modelos excepciones a los que pueden visitar en sus ficha de fotopunto. Mandela Oyeleke, Jenifer Tejedor, Jordi González y Lorena Montfort. Más adelante podrán ver sus fotos y comprobar por que quedé encantado con la posibilidad de trabajar con ellos. Mil gracias chicos, no me canso de decíroslo, sois unos bellezones y un encanto.

Y sobre los alumnos, ellos representan uno de los motivos más potentes por los que dejar España va a ser tremandamente duro. Tuve la suerte de desvirtualizar gente del twitter y hacer nuevas amistades. Una vez más quedé impresionado con lo que vi en sus pantallas y ya estoy deseando ver los resultados. Muchas gracias por ser un grupo tan bueno y simpático, me lo pasé genial con vosotros.

Bueno, creo que ya los he aburrido suficiente, aqui les dejo una muestra de algunas fotos que pude hacer durante la parte práctica del taller. Espero os gusten 🙂

Y aunque aquí faltaba uno de los alumnos quien se tuvo que ir temprano, les dejo la foto de grupo 🙂

PD1: Y por cierto, el maquillaje y peinado de la guapísima Jenifer estuvieron a cargo de Miriam Tio Molina, maquilladora profesional que nos acompañó durante toda la tarde, una chica encantadora/talentosa que para quienes están en Barcelona recomiendo contactar. Su teléfono es el 652964295.
PD2: Ya es oficial, tras la excelente experiencia en Madrid, repetimos «Revolution Light» esta vez en Sevilla (unos días antes de mi viaje de vuelta) Si te interesa participar puedes visitar este enlace.
PD3: Xavi, te lo repito, mil gracias por tu ayuda, me sentí muy cuidado, ha sido una suerte tenerte a mi lado en este taller.
PD4: Toño y Chen, sois unos cracks, que bien me lo pasé con vosotros. La sesión quedó muy bien, espero publicarla pronto 🙂

…el misterio de los 1/400…

El título de este artículo responde a buscar dar solución a la pregunta que planteaba en el postdata del anterior artículo y la verdad es que hace tiempo que no me pongo muy «técnico» en el blog así que creo que ya toca hablar un poco de velocidades, pasos de luz, sincronizaciones, f´s, flashes, luces mixtas, etc 😉

En ese postdata planteaba la preguntaba de como era posible que hubiera hecho la foto que ven en la cabecera de este artículo en la que intervenía la luz de un flash pero en la que superaba la velocidad de sincronización de la 5dmkII (velocidad de sincronización de la 5dmkII=1/200). Bueno, pues aquí voy a intentar contar un poco qué es lo que pasó con esa toma paso a paso para que quede lo más claro posible…ahí voy…

Yo estaba a unos 5 metros de Carmen, acababa de poner un flash dentro de un baño (sí, un baño con paredes blancas…) y tenía montado sobre la 5dmkII el Canon 50mm f1.4. Los parámetros de mi cámara al cuadrar esas primeras tomas fueron:

Velocidad de obturación: 1/160
Diafragma: f5.6
ISO: 400.

Es así que hice esta toma en la que ven como en la esquina superior derecha se ve un poco de una ventana.

Ahora, para dar un poco de juego a la composición de la toma decidí retroceder unos pasos (recuerden, uso fijos…) e incluir una porción más grande de la ventana. Cuando hice esto e incluí una mayor cantidad de ventana en la toma vi en la pantalla de mi cámara que la ventana aparecía muy expuesta para mi gusto y es aquí donde viene lo interesante…

Yo quería que la ventana y aquello que estaba dentro de la habitación de esa ventana apareciera con más detalle. Las tres opciones que vinieron a mi cabeza y sus posibles soluciones fueron las siguientes:

1) Podía bajar mi ISO de 400 a 200 (un paso de luz menos) para que la ventana quedara mejor expuesta pero eso significaría que tendría que acercarme al flash dentro del baño y subir un paso su potencia.
2) Podía cerrar mi diafragma de f5.6 a f8 (un paso de luz menos) para que la ventana quedara mejor expuesta pero eso significaría también que tendría que acercarme al flash dentro del baño y subir un paso su potencia.
3) Podía pasar mi velocidad de obturación de 1/160 a 1/400 (un paso y un tercio de luz menos) para que la ventana quedara mejor expuesta y procurar que la parte iluminada con flash quede en la parte de arriba del encuadre de la toma de forma que mi flash no revele la cortinilla de mi obturador. (JUAT!!!!!%&$@!#¢\¬!????)

Yo me quedé con la tercera opción y tal vez esta foto que tomé con mi 40d hace algún tiempo para un artículo ayude a entender por qué.

Utilizando la tercera opción:

1) No me tenía que acercar al baño y modificar la potencia de mi flash
2) Me encantaba la estética de «muñeca rota» que tenía Carmen en ese momento. Acercarme a ella hubiera roto de alguna forma el momento.
3) Me parece recordar que mi flash ya estaba a 1/4 de potencia cuando empecé la primera toma. Cambiar su potencia hubiera significado trabajar a 1/2 de potencia y el tiempo de reciclado hubiera sido mayor (por lo general procuro no sacar mis flashes del 1/4)
4) La velocidad de sincronización de la 5dmarkII es menor que la de la 40d y calculo que mientras la cortinilla de la 40d aparece bastante baja en el encuadre, en la 5d esa cortinilla debe de estar más cerca al medio. Es por eso que decidí solo llegar hasta 1/400 de velocidad (y además por que me gustaba a esa velocidad como se veía la luz natural de la ventana…)

Aquí pueden ver una foto en la que no le di tiempo suficiente al flash para reciclar por lo que no se disparó y pueden ver que Carmen está iluminada exclusivamente por luz de flash ya que aparece en la total oscuridad cuando este no se dispara.

Y aquí la misma foto para que puedan hacerse una mejor idea de que sucede cuando el flash se dispara.

Bueno, por ahí van los tiros. Estas son cosas que pasan por mi cabeza muy rápido ya que trabajo con flashes con mucha frecuencia pero creo que cualquiera puede terminar haciendo lo mismo si toman como referencia como se comportan las cortinillas de vuestras propias cámaras. Y también creo que sería importante mencionar que yo no buscaba en estas tomas que la luz ambiente (la natural) interviniera en la iluminación de la escena. La nave es relativamente oscura y a 1/160, iso 400, f5.6, a menos que tengamos mucha luz disponible, no hay quien haga una foto. Mi interés por controlar la luz ambiente de esta escena surge únicamente por lograr que aquella ventana que dejaba ver el interior de una habitación no quedara más expuesta de la cuenta pero repito, no para controlar la luz que llegaba a Carmen.

Bueno, espero haberme dejado entender…si no ha quedado del todo claro por favor no duden en dejar un comentario.

Un saludo y nos seguimos leyendo!

PD1: El manual de la 5dmkII habla de que es capaz de sincronizar a 1/200 aunque en realidad no es tanto así. Más de uno habrá hecho pruebas y se habrá dado ya cuenta de que no es tanto así (presenta viñeteos en las bases de las fotos…). Aunque siempre depende de la situación a fotografiar, personalmente prefiero no superar velocidades 1/125 y 1/160.
PD2: Alguna vez leí un artículo de alguien que giraba la cámara para que la cortinilla quedara arriba y no abajo del encuadre…no hay nada nuevo bajo el sol…
PD3: Mil gracias a tod@s los/las que respondieron a la pregunta a través del blog, twitter y facebook. Me encantó leer las respuestas y aunque algunos acertaron, el primero fue @garci 😉
PD4: Acabo de volver de Barcelona del taller de iluminación que impartí ayer domingo. Aun estoy procesando todo lo que pasó por ahí, alumnos magníficos, modelos sobresalientes, un estudio impresionante con una locación que superó mis expectativas. Espero a finales de semana publicar un artículo contando un poco de lo que pasó por ahí. Por el momento no quería perder la oportunidad de das las gracias a todos los que de algún u otra forma participaron en este taller.

…carmen en la nave…

Parece mentira que haya pasado ya más de un año desde que escribí esto y usé una foto que le había hecho a Carmen Costán, probablemente una de las chicas más guapas y simpáticas con la que alguna vez he tenido la suerte de trabajar. Trabajar con Carmen es facilísimo, está llena de energía y de ideas (la de cosas que se trajo a la sesión!) Con ella nos plantamos en una nave industrial semi abandonada que me han prestado (MIL gracias Maite 😉 ) e intentamos hacer una sesión de fotos con diferentes estéticas.

Quienes me han visto trabajar saben que mis sesiones son una locura, que procuro hacer la mayor cantidad de esquemas y que por lo general, justamente por eso de correr, no uso maquillaje (vamos, para las modelos, yo por el momento tampoco estoy usando maquillaje para mi mismo…). Ahora, en esta ocación Marta fue acompañada a la sesión de Claire Inma Velazquez, maquilladora profesional a la que tuve la suerte de ver trabajar y disfrutar de los resultados de su talente (por cierto, si quieren contactar con ella lo pueden hacer a través de este correo electrónico o llamando al 661544507)

Aquí les dejo algunas de las fotos que pude hacer en una sesión de dos horas con una mezcla de todos los recursos que habían en esa nave industrial…luz natural, sol directo, paraguas como difusores, flashes en habitaciones, luz cruzada, geles, etc, etc, etc… Espero os gusten.

PD1: Nos vemos este domingo en BCN 😉
PD2: Esta foto lleva flash pero la velocidad de obturación fue de 1/400…a ver quien es el primero en descubrir por qué aquí sí pude superar la velocidad de sincronización de la 5dmkII.